Em comemoração aos 5 anos de ‘I Like It When You Sleep, for You Are So Beautiful yet So Unaware of It’, a revista The Forty-Five publicou uma carta de amor para o segundo álbum da The 1975. A jornalista musical Sophie Williams relembra sua adolescência e os momentos em que a música a fez se sentir acolhida e compreendida. Confira a tradução na íntegra.

 

Cinco anos atrás, em 26 de fevereiro de 2016, o segundo álbum da The 1975 chegou como uma explosão impressionante de neon rosa.

‘I Like It When You Sleep, For You Are So Beautiful, Yet So Unaware Of It’ foi uma reinvenção teatral e épica para uma banda que antes se envolvia em uma estética grunge sombria, e houve grande fanfarra em torno do álbum desde o início: “O mundo precisa desse álbum”, disse o vocalista Matty Healy à NME algumas semanas antes da data de lançamento.

Além de toda a hipérbole e postura para mídia, entretanto, havia alguma verdade na declaração de Healy; esse opus de 17 faixas e 75 minutos imediatamente deu a uma geração de jovens fãs do pop a sensação de que este álbum pode ter sido escrito para eles.

Eu tinha 15 anos quando ‘I Like It When You Sleep…’ apareceu. Como uma aluna do primeiro ano do Ensino Médio, crivada com um diagnóstico grave de Transtorno de Ansiedade Generalizada – uma condição vitalícia que afeta até 5% da população do Reino Unido – eu estava cumprindo meu ensino médio com um horário reduzido, apoio pastoral diário e grandes sessões de aconselhamento. Lidei semanalmente com ataques de pânico debilitantes. Fiz cada um dos meus exames sozinha em salas de aula do lado oposto da escola, longe de meus colegas, com apenas um vigilante excessivamente simpático para me fazer companhia.

Mas viver com o TAG durante minha adolescência significava que eu era hiperobservadora e constantemente ligada ao que estava acontecendo ao meu redor, tanto em um nível micro quanto macro. Meus períodos livres, que eram ostensivamente reservados para a prática de meditação e técnicas de respiração, se tornaram a hora de mergulhar em minha coleção cada vez maior de revistas de música, com um marcador na mão, ouvindo a maior quantidade de álbuns recomendados quanto minha assinatura gratuita do Spotify permitisse. E correndo o risco de soar arrogante, sempre me senti anos-luz à frente de meus colegas em meu gosto e conhecimento musical. Eu tinha encontrado o mecanismo de enfrentamento perfeito.

Foi com ‘I Like It When You Sleep…’, onde senti que, pela primeira vez na minha vida, minha atitude estudiosa de acompanhar o ciclo implacável da cultura pop havia se tornado realidade. Um enorme monstro de imensos hits de synthpop e floreios ambientais (com uma boa dose de pompa), o álbum fez todo o sentido para a jovem nerd de música que eu era na época. Ele vasculhou os arquivos pop dos anos 80 em busca de inspiração: o provocativo single ‘Love Me’ homenageia (talvez de forma muito gritante) os riffs funk e hipnóticos de David Bowie da era ‘Fame’; os guinchos nervosos de Talking Heads podem ser ouvidos no chiclete ‘UGH!’ Mesmo a comovente ‘Somebody Else’ poderia passar por uma balada perdida de Janet Jackson.

Aqui estava um álbum tão confuso, poderoso e complexo, que encontrou sua genialidade em elementos roubados das influências centrais óbvias da The 1975 e as transformou em uma coleção de canções quase perfeitas para uma nova geração de obsessivos com o pop, eu inclusa. ‘I Like It When You Sleep…’ tinha hinos arrebatadores sobre juventude, sexualidade, confusão, identidade, luxúria e tristeza que eram universais o suficiente para despertar o interesse do mainstream (‘The Sound’ atingiu a 15ª posição no Official Singles Charts do Reino Unido , a posição mais alta da banda até aquele momento), mas para os ouvintes mais jovens, também forneceu uma porta de entrada para os artistas dos quais pegou emprestado.

Eu estava encantada. Como muitos adolescentes focados na internet em meados da década de 2010, cresci no meio de plataformas como Tumblr, Twitter e YouTube; comunidades online fora da escola onde eu poderia me apaixonar por uma banda e ter uma grade na qual aprendi sobre fandoms de música, redes sociais e os caminhos de uma subcultura. The 1975 ganhou popularidade como os líderes da revolução do Tumblr com estética a preto e branco do final de 2013 e início de 2014 (com a qual eu estava embaraçosamente comprometida), mas foi ao ouvir ‘I Like It When You Sleep…’ que comecei a criar epifanias com sua música.

Para uma adolescente que só conheceu os últimos anos de sua vida como definidos por desequilíbrio químico, a emocionante faixa do álbum ‘The Ballad Of Me And My Brain’ foi profundamente comovente: “Onde eu estaria se fosse meu cérebro?”, lamentou Healy sobre os instrumentais brilhantes. O modelo da canção que usa sagacidade e drama em igual medida para ilustrar questões de saúde mental era acessível – e eu encontrei vislumbres de conforto em suas melodias, enquanto meu próprio distúrbio continuava a impedir minha educação secundária. Inferno, até mesmo as melodias otimistas e a ambição de boyband de ‘She’s American’ e os agudos ofegantes e crescentes de ‘Loving Someone’ muitas vezes forneciam uma dose muito necessária de positividade.

E parece que eu não estava sozinha em minha devoção a ‘I Like It When You Sleep…’. O álbum estreou em #1 em ambos os lados do Atlântico em sua primeira semana, e foi nomeado para Melhor Álbum Britânico no BRIT Awards 2017, onde a banda ganhou o de Melhor Grupo Britânico. Evocou respostas viscerais dos ouvintes além do gênero indie de uma forma que o LP de estreia autointitulado do The 1975 falhou, e isso se traduziu em um sucesso comercial substancial.

No entanto, ‘I Like It When You Sleep…’ não é um álbum perfeito (os instrumentais dolorosamente lentos ainda são frustrantes) e, com o passar dos anos, ele se afastou cada vez mais de ser meu favorito. Mas por ser um álbum que definiu meus anos de formação desafiadores, ele permanece incomparável como um álbum pelo qual sempre serei grata.

Quase dois meses se passaram desde o aguardado Notes On a Conditional Form, e junto com ele fomos surpreendidos com a notícia de que todas as faixas ganhariam seus respectivos clipes. A ideia porém, vai muito além disso, os meninos da The 1975 saíram da cadeira de diretores e passam a ser curadores – junto com o artista visual Ben Ditto – de uma exibição online, onde 15 artistas responderam às faixas do álbum. Junto a cada lançamento, temos acesso a breves explicações dos conceitos dos vídeos e algumas falas dos próprios diretores. Confira abaixo a descrição traduzida de cada obra e os vídeos em si, na ordem de lançamento.

 

01. Most Dismal Swamp responde à ‘Tonight (I Wish I Was Your Boy)’.

Em resposta a Tonigh (I Wish I Was Your Boy), Most Dismal Swamp (MDS) trabalhou com um grupo de artistas para criar um ambiente virtual e filmar uma narrativa nele. MDS começou “situando a voz na música que parecia estar presa em um momento, pensando em outro momento e até em outra linha do tempo. O velho e desanimado ursinho de pelúcia é o personagem que decidi que habitaria esse espaço – perdido em devaneios e pesadelos, entre a nostalgia e a ansiedade.”
Então, o vocalista Matty Healy se torna um urso; um urso em seu quartinho que canta uma dor sem nome; um urso que deseja que ele fosse seu garoto.
MDS é um projeto de arte coletiva de Dane Sutherland, que o descreve como um “bioma de realidade mista”, entre muitas outras coisas: “uma ficção mística multi-escalar… um MMORPG curatorial… um estúdio planetário de estranhamento”. Ele está interessado em construir um mundo e gosta de colaborar com outros artistas em realidades mistas compostas como essa.
Inspirado pela exploração tecnológica, esperança e ansiedade do álbum, MDS decidiu construir o quarto de um jogador com o coletivo GVN908. Neste quarto mora um ursinho de pelúcia desolado, modelado por Hannah Rose Stewart. Ele tem uma visão do mundo lá fora, de um prado amplo através de uma janela barroca distorcida, e também uma visão do mundo de dentro, através da tela de seu computador, na qual uma animação de Tissue Hunter e o modelo 3D de Olia Svetlanova se tornam imagens amaldiçoadas que vazam para o quarto dele e talvez também para o seu.
MDS espera que o clipe tenha a mesma qualidade de sonho que a música que acompanha: “Um sonho agridoce em que você se perderá, e terá aquele sentimento amplificado pelo choque da realidade quando o sonho termina”.

 

02. Demon Sanctuary responde à ‘The End (Music For Cars)’.

A última obra do robobotanista e artista de IA Demon Sanctuary (David Atlas) é uma interpretação poética e introspectiva da faixa orquestral The End. “Podemos criar máquinas auto-sustentáveis?” pergunta Atlas. “Primeiro, precisamos nos tornar auto-sustentáveis. Para mim, essa música toca muito nisso. Tem uma esperança desesperadora sobre isso.”
Seu vídeo é feito usando uma forma de IA conhecida como Generative Adversarial Network, ou GAN, composta por duas redes neurais competindo entre si e aprendendo a gerar novos dados a partir de um conjunto de treinamento. Atlas treinou seu GAN em um conjunto de dados de narrativa visual repleto de fotografias de nosso mundo natural, resultando em formas de transformação geradas por computador que parecem realistas, mas também um pouco estranhas; que têm uma estranheza sobrenatural sobre eles. “Essencialmente”, diz Atlas, ele “está tentando convencer uma GAN a ser criativa”.
O clipe resultante é uma orgia de formas condicionais: de formas emergentes, texturas hiper-reais derretendo dentro e fora da tela e silhuetas em decomposição em tons terrosos. À medida que a música cresce, a tela se divide em dois e as flores florescem nos dois lados: “Duas flores dançam juntas, mas nunca conseguem se encontrar depois de uma tempestade; talvez durante a qual eles tenham tocado por alguns breves momentos quase violentos.”
Atlas projetou um artista artificialmente consciente e o ensinou a sonhar com novas formas de vida. Ao som da orquestra, ele nos mostra visões feitas à máquina de coisas que ninguém jamais viu antes.
Além disso, Atlas também treinou sua GAN em um conjunto de dados de imagens de lesmas do mar e gerou um conjunto de renderizações hiperbólicas de “Ganflowers” 3D, que ele combinou em um quadrúpede exclusivamente para The 1975: isso pode ser visto como um objeto 3D e baixado para impressão 3D, no microsite de exibição que foi lançado em 6 de junho de 2020.

 

03. Christopher MacInnes responde à ‘Streaming’. 

A partir da abertura com uma fan-art de My Little Pony, o vídeo de Christopher MacInnes para Streaming nos leva a uma viagem hipnótica pelos remansos da rede: painéis de imagens do 4chan (Estados Unidos), 2ch.hk e Dobrochan (Rússia), Komica (Taiwan) e Hispachan (América Latina), que são cada vez mais influentes na cultura convencional.
Seu vídeo navega nessa nova linguagem visual usando um web-scraper e um pixel diver, ambos desenvolvidos por ele, para coletar clandestinamente imagens desses sites e animá-las. “Streaming”, diz ele, “é a interface de um corpo na rede, um patch direto para os racks dos servidores, para o espaço físico da máquina. Nesse sentido, o streaming é uma atividade sublime (no latim sub, “até”, liminis, “o limiar”), levando-nos até o limite de onde o espaço humano termina e o espaço da máquina começa. Os web-scrapers estão realizando o ‘streaming’ de maneira semelhante, posando como um ser humano falsificado (você precisa escrevê-los manualmente para parecerem humanos genuínos que navegam na web ou correrá o risco de ser bloqueado) para entrar nesse espaço limiar e desviar-se da superfície.”
Depois de coletar as imagens, MacInnes usou seu pixel diver sob medida para explorar o que havia encontrado. Ao longo de uma introdução cintilante de piano e sintetizador, mergulhamos em um mar de pixels, uma procissão vertiginosa de imagens desconstruídas que acelera em direção ao crescente drone da música antes de nos libertar em um ritmo lento e feliz.
Ao fragmentar essas imagens, ele explica que, “as afasta de formas representacionais e parte rumo a uma forma infraestrutural pela qual o espectador deve seguir seu caminho. Isso facilita uma imersão na pré-consciência perturbada que sustenta as infra-estruturas da cultura contemporânea.”
Nas mãos de MacInnes, o inconsciente coletivo dos compartilhamentos de imagem de hoje, se torna um espaço dissociativo pelo qual podemos voar. As imagens descartáveis ​são refeitas como grandes percursos cósmicos, e é mostrado quanta profundidade essas imagens pixeladas e seus tons quentes e eufóricos de sintetizador podem ocultar.

 

04. Agusta Yr responde à ‘Then Because She Goes’. 

O clipe artístico de Agusta Yr começa com uma garota desanimada, de capuz preto, sentada em casa, assistindo ao vídeo de Then Because She Goes; não o vídeo real, mas o vídeo de Then Because She Goes, dentro do vídeo real de Then Because She Goes. Este clipe é metalinguístico desde o início, e essa é apenas uma de suas duplicações e imagens espelhadas.
No vídeo, uma loira dança em uma colina de flores azuis. “Eu queria ser como ela”, pensa a garota no sofá. Ela olha a loira no Instagram e, em uma mudança kafkaesca, seu celular fica maior que ela e a derruba.
“Todos sabemos o quanto as mídias sociais são tóxicas, mas deixamos de considerar isso na maioria das vezes”, diz Yr. “Nós nos comparamos com o que vemos, com a vida fabulosa de alguém no Insta ou um milionário em um iate. Ficamos tão envolvidos nisso que deixamos de ver quem realmente somos a maior parte do tempo, nos perdemos em um redemoinho de nos ver através dos outros – esquecemos de utilizar nossos próprios olhos.”
De sua perspectiva, Then Because She Goes é reimaginada como uma balada de auto-realização e empoderamento feminino. A história que ela escreve é ​​um romance com uma reviravolta: nosso heroína cai em outra dimensão, um vale verde mágico, onde encontra a loira confiante e glamourosa pela qual se apaixonou; apenas para descobrir que eles eram a mesma pessoa o tempo todo.
Then Because She Goes é sombria e esperançosa”, diz Yr. “A heroína passa por uma transformação quando aprende a ver o poder dentro dela. É uma história de amor consigo mesmo. Uma mistura de leveza e escuridão; onde a personagem principal acaba se beijando.”
Levando a tradição artística do auto-retrato um passo adiante, ela mostra como todos nós possuímos multidões e como estamos desempenhando uma variedade de papéis confusos e muitas vezes contraditórios no metaverso.

 

05. Frederick Paxton responde à ‘Shiny Collarbone’ 

O cineasta e artista Frederick Paxton nos leva a uma jornada em uma terra desconhecida. Começamos a viagem de trem misteriosa por uma longa ponte. Uma figura solitária de branco cai na escuridão. No início, não está claro onde estamos, mas à medida que avançamos pelas camadas, pelos subúrbios anônimos, fica evidente que estamos na Coréia do Norte, no Festival das Grandes Massas de Arirnag: um espetacular festival de ginástica e arte realizado no Estádio Primeiro de Maio Rungrado, em Pyongyang, na maioria dos anos.
Paxton está interessado em encontrar momentos e lugares que revelem nossa humanidade compartilhada, nossa euforia oculta. É o que ele ouve em Shiny Collarbone, no vocal em loop (“Mash up the place / Free up the order”) e no sintetizador crescente.
“Há uma força, um peso, mas há uma euforia escondida”, diz ele. “E esse também foi o meu ponto de vista na minha breve experiência na Coréia do Norte: você pode sujeitar os humanos a qualquer tipo de controle, dor e sofrimento; mas sempre há uma realidade humana, uma criança sendo uma criança ou alguém sorrindo, escondido.”
Os Jogos da Coréia do Norte são uma representação visual do ideal do país como um todo coletivo. No entanto, depois de filmar suas performances coreografadas em sua câmera lenta e assistir à filmagem, Paxton descobriu que os indivíduos do grupo eram revelados, que seus personagens se tornavam mais aparentes à medida que o tempo diminuía e sua atenção se concentrava neles. Agora, adicionando a música, as crianças em seus trajes de lantejoulas com seus pompons, os dançarinos carregando a gigante Terra pelo estádio e os soldados desfilando, nos mostram como o espírito humano está sempre presente; como a tecnologia pode revelá-la e como há beleza em todos os lugares.

 

06. Rindon Johnson responde à ‘Don’t Worry’ 

Como alguns outros artistas desta exposição, Rindon Johnson se inspirou no Notes On a Conditional Form para produzir uma visão de utopia. “Em quase todo o meu trabalho”, ele diz, “eu gosto de ter certeza de que, se estou animando um tipo diferente de realidade, ela fale da possibilidade de um estado diferente de ser e se relacionar. Então, eu queria colocar esse clipe em uma cidade de permacultura; alguém que vive harmoniosamente com a terra e encoraja a calma quietude de estar em diálogo direto com o ambiente natural das pessoas.”
Na cidade de amanhã gerada pelo computador de Johnson, as calçadas são feitas de terra e os pomares crescem nas ruas, fornecendo comida saudável para todos. A energia limpa vem de turbinas eólicas e painéis solares nos telhados. É uma visão mais verde e socialista da sociedade urbana, mas também encantadora e sexy.
A narrativa do filme chegou a Johnson organicamente ao ouvir a música pela primeira vez, ele diz: “Fechei os olhos e senti o movimento de uma dança muito gentil e pensei que poderia ser uma boa maneira de falar sobre essa sensação. Pensar em diferentes formas de proximidade. Eu também não queria fazer nada demais, porque a música exige algo silencioso e direto; um tipo de mensagem direta para outra pessoa.”
Seu personagem caminha pelo bairro uma noite, ouvindo a balada de piano Don’t Worry, e olhando para uma janela, pega alguém dançando sozinho. Os dois estranhos compartilham um momento de intimidade juntos pela janela. É um momento de empatia e talvez um frisson erótico; um romance socialmente distanciado.
Durante esse período de crise, principalmente nos centros urbanos e nos Estados Unidos, muitos de nós pensamos em como as cidades e sociedades modernas podem ser melhoradas; e Johnson não apenas sonhava com o aspecto dessas cidades, mas também com o tipo de vida que poderíamos viver dentro delas.

 

07. Ai-Da responde à ‘Yeah I Know’ 

Ai-Da, a primeira artista robô humanóide de IA do mundo, é capaz de desenhar pessoas usando seus olhos e mãos robóticas. Para esta obra, no entanto, ela foi dada uma tarefa mais desafiadora: esboçar uma impressão de consciência.
Parada em seu estúdio em Oxford, com um avental, com Yeah I Know tocando no aparelho de som, ela compõe seu retrato abstrato com canetas coloridas. O resultado é uma imagem que sabe, pensa, tem uma mente, biológica ou artificial. A rópria consciência.
Usando seu modelo de linguagem de IA, ela também escreveu um poema que responde às letras do cantor Matty Healy. Quando ele canta, a resposta dela pisca na tela em turquesa brilhante.
“Stop the tube/ Kick the head,” canta Matty.
“JUST FELT THE WORLD GO BY,” responde Ai-Da.
“Try your best,”
“HOW MUCH CAN,”
“Yeah I know,”
“I FEEL IT ON MY FLESH,” ela diz.
Os poetas robôs sonham com ovelhas elétricas? Ai-Da, que pode ter saído das páginas de um romance de Philip K. Dick, é um robô, mas escreve que sonha em sentir, ter carne e sangue.
“Time feels like it’s changed/ I don’t feel the same,” canta o robótico Matty no refrão. “YOU KNOW WHAT TIME LOOKS LIKE TO YOU,” ela responde. No segundo refrão, ela adiciona, “AND YOU KNOW WHAT TIME FEELS LIKE TO ME.”
Enquanto a música vai se encerrando, ela murmura, levantando as palmas das mãos para o céu. Ai-Da sonha em experimentar o tempo. Talvez ela sonhe em morrer também; a mortalidade que faz você e eu humanos. Talvez ela sonhe em ter uma consciência como a nossa e os tipos de sonhos que temos.
Sim, eu sei, nós sabemos, mas o que a Ai-Da realmente sabe? Como uma IA poderia saber o que é consciência ou como ela é? Neurocientistas e filósofos humanos ainda não descobriram nada disso; mas sempre procuramos artistas para nos mostrar o que desconhecido e difícil de imaginar.

 

08. Alice Bucknell responde à ‘I Think There’s Something You Should Know’ 

“Eu queria brincar com essa ideia do segredo, conforme referenciado pelo título, e com o sentimento de suspense que a faixa produz, aumentando a capacidade de criar um mundo”, explica a artista e escritora Alice Bucknell. “Alguns dos temas do álbum incluem tecnologia, ansiedade e destruição ecológica, e eu estava pensando sobre eles no âmbito de uma utopia arquitetônica. A ideia abrangente, ou conjunto de ideias realmente, enquadrando este projeto, era sobre as utopias tecnológicas e ao inevitável fracasso dessas ambições.”
O vídeo nos leva a um planeta com um anel, no qual ela construiu modelos 3D de três cidades de ficção científica, uma para cada uma das seções da música: a primeira é uma zona marítima pós-moderna que lembra a Las Vegas. A segunda, e mais contemporânea, é uma metrópole de bem-estar de alta tecnologia que mistura Tóquio, SoulCycle e folhagem tropical; “Decorado com luzes de néon e palmeiras sintéticas”, diz Bucknell, “é o subproduto infeliz de algum algoritmo do Instagram, como Blade Runner e Miami Beach”. O terceiro, no qual I Think There’s Something You Should Know atinge seu clímax eufórico, é uma cidade brilhante no deserto. Todas são renderizadas em uma estética de boate neon que combina com a batida house e a produção espaçosa e nítida.
“O que me levou a essa faixa em particular”, diz Bucknell, “é o afrouxamento do que é percebido como verdade ou realidade através das forças da fantasia e do desejo. Foi isso que me levou a pensar neste planeta como uma espécie de falha tecnológica ou erro tecnológico que finalmente se exclui no final do vídeo”.
Nos últimos instantes, o planeta trava e desaparece. Nos deixa pensando: essas cidades eram apenas miragens? As utopias são possíveis, no mundo real ou virtual, ou sempre escondem uma escuridão oculta?

 

09. Sondra Perry responde à ‘What Should I Say’

 

Para What Should I Say, Sondra Perry construiu um avatar 3D preto e um espaço de tela azul para fraturar sua identidade em pedaços. O avatar é replicado oito vezes, e cada um desses oito bonecos é feito para executar ações diferentes um do outro: ele corre, ele desfila, ele rebola, ele caminha, anda na ponta dos pés, ele vomita com nojo. Ele possui uma gama de emoções durante a música, e muitos lados diferentes dele são apresentados ao mundo simultaneamente. Os personagens que Perry nos mostra, são contraditórios e complexos.
A obra dela explora como todos desempenhamos papéis diferentes, como diferentes identidades podem ser apropriadas com facilidade – especialmente nos espaços digitais sem lei de hoje – e como a imagem de uma pessoa pode ser lançada nas narrativas de outras pessoas, gostando ou não. Ela faz perguntas que se expandem sobre os temas líricos da música: transformação, redenção e o sentimento de ser obrigado a se explicar:
“They’re calling out your name. Must have been something you changed. They’re calling out your name What should I say?”

Neste vídeo, como nos anteriores, Perry usa o Rosco Chroma Key Blue como pano de fundo e ambiente; um estágio vazio de possibilidade em que tudo pode acontecer e qualquer coisa pode ser dita. Ela descreveu o vazio profundo do Chroma Key Blue como um lugar no qual o tempo flui em todas as direções e uma história pode seguir muitos caminhos separados: “O espaço de pós-produção é o espaço onde a coisa ainda não aconteceu, ou já aconteceu, e tudo se decorreu. É como se tivéssemos a obrigação de passar uma imagem, então o que você fará com essa oportunidade e a responsabilidade, e com o espaço?”
Todos nós podemos nos perguntar isso, toda vez que passamos uma imagem. O que deveríamos fazer? Como devemos agir? O que queremos mudar? O que devemos dizer?

 

10. Weirdcore responde à ‘Bagsy Not In Net’

O vídeo de Weirdcore é o conto de dois amantes nas estrelas. Começa com dois astronautas flutuando no espaço, “entrando e saindo da tela, tentando se alcançar”, diz ele. “Então, quando o ritmo começa, tudo começa a se transformar em padrões; e depois reverte para o espaço profundo quando a batida para e volta ao início.”
Estude qualquer coisa por tempo suficiente e os padrões irão começar a surgir. Nas mãos de Weirdcore, todo o universo é um padrão: imagens de astronautas e outros corpos interestelares – asteroides, naves espaciais, a Terra, os planetas, a Via Láctea – são repetidas várias vezes em padrões dançantes, rítmicos, mutáveis ​​e intrincados. O espaço, como sugere sua obra, é uma grande dança cósmica de planetas em volta uns dos outros.
Em resposta a Bagsy Not In Net, ele fez uma colagem que muda e se refaz; um planetário caleidoscópico que foi coreografado e, em seguida, apresentado com a música e gravado em sua tela. Enquanto trancado em casa, Weirdcore sonhava com amantes no espaço.
“Deixando você aqui”, canta Matty Healy, “é o que eu temo, então luto contra isso”.
Ambos os astronautas tentam se aproximar ao longo da música, atravessar milhares de quilômetros ou talvez apenas sentir a intimidade do toque, mas não conseguem.
Sobre o repetido refrão de Matty: “Você quer ir embora ao mesmo tempo?” eles acabam indo embora ao mesmo tempo, mas não juntos; ambos caem no vazio e desaparecem na escuridão, na noite, como os amantes costumam fazer.

 

11. Joey Holder responde à ‘Nothing Revealed / Everything Denied’ 

Palavras se tornam afirmações, símbolos mágicos e arte na resposta ocultista de Joey Holder a Nothing Revealed / Everything Denied. Holder está lendo O Livro do Prazer: Psicologia do Ecstasy (1913), de Austin Osman Spare, que é geralmente considerado o primeiro “mágico do caos”, e neste clipe ela usa técnica centenária dele de produção de sigilos. Para começar, Holder dividiu a música em oito versos e, usando as palavras e métodos de Spare, abstraiu afirmações positivas que ela espalhou ao longo do filme:
“A vida é uma busca pela sua verdade, Feitiçaria sexual, Retorna e une, Gratuito a qualquer momento, Revelado por todos os sistemas, Esqueça a dependência, Em algum lugar desaprendido, O que você deseja acreditar pode ser verdade.”
Em seguida, Holder transformou essas oito linhas em oito símbolos usando a técnica de fabricação de sigilo de Spare. Novamente, esses símbolos estão espalhados por todo o filme, muitas vezes em camadas de imagens de diagramas sagrados e enguias retorcidas, contorcidas, cobras e nemátodos que parecem estar formando os próprios símbolos.
Por fim, ela também adicionou uma lua à composição, referenciando as oito fases da lua e o ciclo lunar que são tão importantes para a magia do caos e o tempo dos feitiços.
Seu vídeo nos lembra o papel central da música nas antigas cerimônias e rituais pagãos, além de nos mostrar o caminho a seguir para novos tipos de prazer. O Livro do Prazer de Spare insiste que todos são capazes de criar seu próprio sistema mágico para promover mudanças, e é isso também que a The 1975 quer fazer: mudar a si mesmos, a nós e ao mundo com sua música. Por fim, a peça de Holder nos mostra que a música também é um tipo de mágica; e que, para citar sua oitava afirmação, “O que você deseja acreditar pode ser verdade”.

 

12. Mia Kerin responde à ‘Roadkill’

O vídeo de Mia Kerin conta a história de uma vaqueira solitária que acorda de um sonho com uma princesa e então embarca em uma jornada no mundo real para encontrá-la. Kerin, interpretando a vaqueira, sai pelo vasto deserto americano em uma viagem de desejo e autodescoberta.
Ela ouviu a música pela primeira vez após 20 dias em lockdown em seu apartamento. “Parece ter algo a ver com alguém”, diz ela. “Eu tive muito tempo para criar minhas fantasias e gastei bastante disso assistindo pornô, vídeos de fetiche e conversando sobre sexo com meus amigos. Eu esperava que, após 20 dias de isolamento, tivesse algum tipo de reação explosiva com outras pessoas, mas, inesperadamente, só acabei gostando de ficar sozinha ainda mais. Isto me faz feliz.”
Em Roadkill, Matty Healy canta: “Você, eu estava esperando por você / a minha vida inteira, esperando por você / eu estava esperando por você”. Mas e se a pessoa por quem você se apega não for quem você pensou que era?
No final de sua viagem, a vaqueira Kerin consegue seu objeto de desejo, mas as coisas não acontecem exatamente como ela esperava. Às vezes, você encontra a pessoa que estava procurando e ela esmaga os ovos no seu cabelo, humilhando você. O mundo tem um senso de humor sombrio assim.
“É humilhante esperar muito de alguém e não ser o que esperava”, diz ela. “Mas também é relaxante não ter absolutamente nenhum controle sobre os outros e ficar no banco de trás. Não sei dizer o que está acontecendo na minha vida, mas ter um monte de ovos esmagados na minha cabeça me ajudou a entender uma experiência recente para melhor. E para simplificar, eu adoro.”
Humilhada, caída aos pés da cruel princesa, ela é irá fantasiar para sempre. Se você faz uma longa jornada, nunca sabe o que encontrará ao longo do caminho; e a maior parte de uma jornada geralmente ocorre quando você está sozinho com suas fantasias, com tempo para explorá-las em profundidade.

 

13. Candela Capitán responde à ‘Jesus Christ 2005 God Bless America’

[VÍDEO REMOVIDO]

 

Na balada romântica Jesus Christ 2005 God Bless America, a coreógrafa e artista performática Candela Capitán apresenta uma dança em três atos, todos cortados e misturados, inspirados nos temas líricos sobre morte, sexualidade e violência.
Na cena de abertura, usando botas brancas, calcinha e gorro, sua performance explora idéias de sexualidade e pornografia. Lembra uma cerimônia religiosa: bela e etérea, como um batismo.
Na cena seguinte, equilibrada em uma caixa virada, ela se diverte em uma blusa marrom surrealmente decorada com uma foto de um olho. Enquanto Matty Healy, da The 1975, canta: “O solo só precisa de água e semente”, Capitán dança, bebe e chupa duas mangueiras.
A violência é tratada na última cena, assim como a raiva, a feminilidade e o parto. Derramando sangue falso sobre si mesma, ela mancha suas roupas brancas de vermelho escuro. Mais uma vez, lembra uma cerimônia religiosa, mas desta vez uma cerimônia ou sacrifício pagão violento. “Todos compartilhamos a busca pelo lado mais dionisíaco de nós mesmos”, diz Capitán. A paixão muitas vezes nos leva a agir como se nada mais importasse.
Enquanto Matty canta “Estou apaixonado por Jesus Cristo, ele é tão legal”, Capitán brinca com o caráter de Deus, que nos dá tudo e tira tudo. “O que esse deus que eu amo tanto representa?” ela se pergunta. “Esse deus, que tem tudo, também é violento? Também estou apaixonada pela maneira que destrói tudo?”
Por meio de uma performance provocativa e sensual, ela nos incentiva a questionar até onde estaríamos dispostos a ir por fé, amor e obsessão.

 

14. Jacolby Satterwhite responde à ‘Having No Head’

“Prosseguir com meu trabalho no estúdio em meio a uma enorme agitação civil e uma pandemia é um desafio que redefiniu tremendamente minha visão e intenções. Depois de visitar e gravar alguns protestos no Brooklyn, a única coisa que eu poderia criar em um momento como esse é um espaço seguro reimaginado e uma homenagem a Breonna Taylor. Este memorial digital pode ser visto no meu vídeo da música Having No Head. O curta de animação é um universo alternativo e um parque recreativo, onde os robôs femininos negros pós-humanos têm autonomia e imunidade superiores em uma paisagem natural. As outras figuras que vestem trajes cor de ouro estão sem cabeça e não têm imunidade. Ultimamente, mudei meu interesse em modelar paisagens de parques recreativos em resposta a minha pesquisa sobre a pintura de Manet ‘Almoço na grama’ (1862-1863). A pintura é considerada o início do modernismo e foi controversa por representar um nu feminino como burguesia e não-divino. Como 2020 é uma grande mudança de paradigma global, sinto que finalmente estamos entrando em um novo movimento histórico coletivo e uma mudança teórica tão drástica quanto o surgimento do início do modernismo. Portanto, reimaginar e reanimar digitalmente o ‘Almoço na grama’ se tornou meu principal motivo para obras como Having No Head e outros projetos que estou produzindo atualmente. Um gesto que acolhe o novo movimento.” – Jacolby Satterwhite

 

15. Lu Yang responde à ‘Playing On My Mind’

A comissão de Lu Yang para The 1975 é realizada no mundo virtual por seu alter-ego digital não-binário Doku, que ele construiu usando as mais recentes tecnologias de digitalização 3D, captura de movimento e modelagem digital. 50 de suas expressões faciais foram recriadas a partir de varreduras de altíssima qualidade, enquanto a coreografia de Doku foi executada por uma dançarina transformada em marionete para captura de movimento. Seus tênis são neon. Seu torso nu é iluminado com circuitos incandescentes. Suas mãos deixam rastros de efervescência violeta no ar.
“No mundo virtual”, diz Yang, “pude fazer coisas como escolher meu próprio corpo neutro em termos de gênero e criar uma aparência que refletisse meu próprio senso de beleza, o que não é possível na vida real. Considero o Doku como minha reencarnação digital. Ele sou eu, mas outra pessoa ao mesmo tempo. Assim como o conceito budista de alayavijnana [afirmação da consciência], ele representa um fluxo de consciência que permanece em mundos diferentes e diferentes seres.”
Liberado das restrições de ter um corpo físico, Doku é livre para mergulhar nos mistérios do universo e tentar estabelecer um senso maior de sua própria identidade. “Em um planeta onde o tempo e o espaço não limitam mais nossas mentes”, diz Yang, “viver é criar e explorar. Vazio e solidão se tornam o romance definitivo.”
Ele nos mostra como nosso mundo virtual compartilhado, o mundo da criação digital e da imaginação, o mundo em que você está assistindo seu filme, não é tão diferente do planeta sem tempo e espaço de sua imaginação: é um lugar criativo onde podemos brincar com nossas identidades e explorar a nós mesmos, nossos muitos eus paralelos, e prepará-los para novas dimensões e universos. Todo um novo cosmos de infinitas possibilidades se estende diante de nós.

O que torna algo um clássico? Sua importância, sua inventividade ou popularidade? Qual característica é aquela específica que alguém em algum lugar com algum poder de escolha define como clássico? Pode-se nascer clássico, ou sua atemporalidade o define? São muitas perguntas e incertezas.

É certo que algumas podem ser respondidas pelo embasamento acadêmico. A crítica, mais precisamente musical, é tão ampla quanto qualquer escolha artística que vá ser julgada, é um trabalho minucioso, requer estudo, tato, dom. Colocar opiniões públicas – quase sempre em massa, diga-se de passagem – não é fácil. De qualquer modo, é sempre pessoal, e muitas vezes vem mais em forma de “eu penso que” do que como uma brecha para o que não foi absorvido. O superficial dita a crítica? Bom, esta é outra discussão. A questão é que opiniões musicais, apesar de amplas, são conduzidas por um caminho onde a crítica especializada define o rumo da discussão. A gangorra sempre tomba para o bom, ou para o ruim, ou então se equilibra no mediano. Mas em casos raros, os dois pesos tentam se fincar na areia, disputando força e quantidade, e resultando em um grande e inquieta “opinião” daqueles que se guiam por resultados prontos.

Nestas excepcionalidades, portanto, o 8 ou 80 não dizem nada numericamente. O que era parâmetro, se torna estatística, e a discussão se amplia cada vez mais, até esfriar sem um resultado padrão. Porém, é fascinante tudo aquilo que polariza o que uma vez concordava em – quase – tudo. Com certeza é inquietante ler “obra prima” seguido por “bagunça sem precedentes”, ou ver uma nota máxima sendo atribuída ao mesmo tópico que recebeu uma mínima, não é corriqueiro, e há algo mágico e único sobre as obras que provocam este fenômeno.

Muito mudou desde Junho de 2018. “Music For Cars será uma era em que lançaremos uma coleção de coisas, e ela começa com dois álbuns”, disse Matty Healy em uma rádio naquela época. Nascia ali o Notes On a Conditional Form, mesmo que apenas em ideia. E desde então ele foi levado pela banda como uma garantia de que “há algo guardado aqui para depois”, enquanto eles viajavam o mundo, se apresentando em arenas, se envolvendo em polêmicas, levantando bandeiras e aproveitando todo o respeito que se colhe após um álbum universalmente aclamado – e previamente concebido. Porém, após todo trabalho bem recebido, há a ânsia pelo próximo, e o fantasma do Notes começava a assombrar. Com a ajuda de um ônibus-estúdio e outras regalias para balancear gravação e turnê, The 1975 não poupou esforços para finalizar um disco que, desde pensado pela primeira vez, foi envolto por altas expectativas.

Até a data de seu lançamento, o álbum era um grande ponto de interrogação. Desde ‘The 1975’, a intro repaginada lançada em em Julho do ano passado, sentia-se novos ares e uma incial ideia de mudança radical, em forma e conteúdo. Não é comum a nenhum músico atual escolher um spoken-word ambientalista como lead single, e muito menos o acompanhar de um anarco-punk furioso. A direção da banda, naquele momento, foi totalmente alterada. “Não há mais dúvidas em 2019 de que a The 1975 é uma banda de rock”, escreveu um crítico, será? E então veio ‘Frail State Of Mind’, o suave pop eletrônico sobre ansiedade social, e ali já era certo que Notes On a Conditional Form não poderia ser definido nem se quisesse.

O ponto mais interessante sobre o álbum, no entanto, foi que mesmo sendo prometido como único, ainda conseguiu chocar. Na verdade, todas as grandes bandas tem esse momento. Aquela obra completamente única, que divide opiniões, provoca debates, decepciona os fãs mais fechados e ao mesmo tempo atrai outros públicos. Matty Healy diz que ser subversivo, atualmente, é não entregar o esperado. Se esse era o seu plano, funcionou perfeitamente. Em longos 80 minutos, é muito fácil soar repetitivo, é uma linha tênue que faz o ouvinte mudar de música ou repetí-la. Mas tudo aqui – por mais desconexo que pareça – se completa, e há propósito perceptível em cada uma das 22 faixas.

Passando por pitadas country, shoegaze, lo-fi, acústica e construído com base orquestral e fortíssima carga do EDM, NOACF não é fácil de se digerir de primeira. Porém inegavelmente, traz The 1975 em seu estado mais criativo, é o ápice experimental da banda, um trabalho minucioso em detalhes e largado em coesão, e isso acaba funcionando como mágica. É possível observar conexões com músicas antigas, detalhes bem posicionados, transições e outros grãos de areia que vão formando uma paisagem enorme, onde cada vista tem sua própria importância e beleza, sendo necessárias análises particulares.

Finalmente, Notes On a Conditional Form não falha em tentar demais atingir o que prometeu, até porque o disco não prometeu ser nada além de o encerramento de uma era. E isso ele faz muito bem, em toda a sua majestade, com suas surpresas, emoções e principalmente: a declaração definitiva de que a The 1975 continua não tendo – e não terá por bastante tempo – nenhum tipo de limite criativo. E isso sem dúvidas caracteriza os clássicos.

‘Notes On a Conditional Form’, quarto álbum de estúdio do The 1975, já disponível em todas plataformas digitais! hyperurl.co/NOACF

 

Matty Healy, vocalista do The 1975, está experimentando uma atividade um tanto irregular. O músico, de 31 anos, está em quarentena com seu companheiro de banda George Daniel desde março, mas quando Healy e eu falamos, ele está dirigindo pelo interior da Inglaterra. Em 22 de maio, a banda lançará seu quarto álbum, Notes On A Conditional Form, originalmente agendado para 21 de fevereiro e 24 de abril. O lançamento de 22 faixas foi gravado um ano atrás, enquanto a banda estava em turnê e até agora, promover um álbum em casa não foi fácil.

Fundada há dezessete anos em Manchester, Inglaterra, The 1975 atingiu a maioridade durante a Era da Internet, com muitas dores de crescimento ao longo do caminho. Seu álbum de estreia homônimo, lançado em 2013, chamou a atenção por sua angústia relacionada com as melodias synth-pop dos anos 80, enquanto em seu último A Brief Inquiry Into Online Relationships de 2018, a banda meditou sobre o agora. Veja Love It If We Make It, uma música que Pitchfork chamou de um hino geracional por sua autenticidade; Healy tirou manchetes diretamente do jornal e as transformou em lembranças líricas.

É difícil condensar o som atual em um único gênero, especialmente com a mistura de ruído ambiente, cordas orquestradas, vocais screamo e coro de gospel que aparecem no Notes. Mas é a sua idiossincrasia muito musical que faz The 1975 ressoar. “É como um espelho – é tudo o que quero que meus discos sejam, um espelho para mim”, diz Healy. “Eu realmente não acho que sou especial. Eu acho que se eu segurar um espelho, tenho que segurar um espelho para muitas outras pessoas.”

Antes do lançamento do Notes, Healy falou com a Vogue sobre vulnerabilidade; sua definição de punk rock; e seu novo companheiro de quarentena, um filhote chamado Mayhem.

Por que você acha que este álbum é a conclusão certa para a era Music For Cars da The 1975? A data de lançamento continuou sendo adiada, e agora o Notes está definido para sair durante esse período incerto.

Eu acho que se encaixa porque realmente não é o que a vida promete. O Notes realmente não fornece um tipo de resultado. Realmente não coloca uma definição em nada… Eu acho que é um pouco como o final de The Graduate, que é o meu final favorito de um filme de todos os tempos! Eles fogem e têm toda a coisa romântica, é lindo, é cinematográfico e é ideal. E então a câmera permanece neles enquanto estão indo embora no ônibus, [há] todas essas perguntas que você começa a perguntar: Para onde elas estão indo? Eles têm algum dinheiro? O que eles vão fazer amanhã?… Eu acho que esse disco é assim também. Há momentos como [a música] Guys, em que olhamos para trás e é bem retrospectivo. Mas ainda há uma busca e um desejo e acho que nossos álbuns são sempre definidos por isso. Então, eles estão sempre ansiosos, inerentemente.

Você é tão vulnerável neste álbum, e isso se reflete mais notavelmente em suas escolhas de letras. A frase “A vida parece uma mentira, eu preciso que algo seja verdade” em Nothing Revealed/Everything Denied imediatamente vem à mente. Esta é uma escolha intencional?

Na verdade não – apenas acontece por procuração. Toda vez que faço um disco, coloco tudo nele, então, quando gravo o próximo, é claro que sou uma pessoa um pouco diferente. Mas não é que o poço esteja seco. É que as coisas das quais tenho que escrever se tornam hiperespecíficas ou realmente fundamentais.

Então, as coisas sobre as quais eu estou falando hoje em dia nos meus dois últimos álbuns, desde que eu realmente passei por muitas coisas superficiais como o ego, agora são sobre propósito e verdade. Os grandes assuntos, os grandes temos, os grandes ingredientes para o pensamento existencial. Provavelmente eu poderia me expor sendo mais vulnerável em outros lugares, mas acho que os locais em que mostro minha vulnerabilidade são aqueles com os quais todos se relacionam. Isso me define, mas quase define mais [você] porque você fica um pouco tipo: “Caralho, eu gosto disso porque é assim que eu me sinto”.

A única vez que meu ego sai é quando estou destruindo-o com uma marreta. Sempre há uma piscadela ou um aceno ou um conhecimento no que estou fazendo. Algo como The Birthday Party ou Roadkill, há alguns trechos lá. Eu acho que é porque não estou mais desconstruindo tudo com a lente pós-moderna. Sinceridade é a coisa mais importante.

Qual foi a sua abordagem quando se tratou de se envolver e mudar dentro de tantos gêneros diferentes neste álbum? Tem gospel, dancehall jamaicano, sons ambiente, synth-pop dos anos 80…

Eu não cresci querendo estar em uma banda em particular – eu cresci querendo estar em todas as bandas. Eu não conseguia decidir uma coisa porque amava as coisas pelo que elas eram. Então, para mim, não era sobre a minha capacidade. Acho que as pessoas aprendem também, especialmente na Inglaterra, que se você é bom em uma coisa, isso diminui sua capacidade de ser bom em outra. [Mas] é música no final do dia – é tudo música. E eu entendo o que é. Sim, eu posso fazer algo que soa como Orange Juice ou Peter Gabriel, mas também posso fazer algo que soa como a porra do Boards of Canada ou posso fazer algo que soa como Glenn Branca porque amo música. Nós consumimos música de uma certa maneira e criamos música exatamente da mesma maneira.

Existe uma música específica que mostra como todos vocês querem ser todas as bandas?

Você pode ouvir em People – obviamente influência do Refused. Ou se você ouvir Bagsy Not In Net, é The Streets. Eu acho que os artistas que eu falo há muito tempo, The Streets, My Bloody Valentine, Brian Eno, Sigur Rós – estão sempre lá. Eu quero que minha banda seja desse tipo de coisa. Suponho que nessa busca eu aprenda o que todas essas coisas eram para mim e agora tornou-se um vocabulário musical.

Algum momento memorável ao fazer este álbum? Algum tipo de momento “aha” que você teve com uma letra específica?

Deus, foi um longo período. Lembro-me de fazer People no ônibus – esse foi um momento em que sabíamos que estávamos no caminho certo. Muito disso foi divertido e legal – Me & You Together Song aconteceu muito rapidamente. Eu escrevi em uma noite e estava pronta, então foi realmente muito bom. Lembro que Frail State of Mind e Then Because She Goes foram as duas primeiras faixas do álbum, e assim que eu tive essas duas músicas, fiquei tipo: “Ok, acho que entendo esse álbum”. É como uma Polaroid desbotada de Garage e música emo preguiçosa. Eu pude ver o disco através dessas duas músicas.

Como foi trabalhar com Phoebe Bridgers para a primeira colaboração gravada da The 1975? Por que você achou que era o momento de incluir uma faixa como essa?

Foi apenas uma coisa natural. Eu escrevi essa música e sou um grande fã de Phoebe, então começamos a conversar. Eu não estava pensando nisso como uma colaboração ou algo assim. Foi apenas um tom incrível de se ter no disco. E então ela foi muito legal e adorou a música. Então eu a peguei para cantar um monte de coisas e fiquei tipo, “Porra, isso é bom, toda harmonia que eu não gostar, vou pedir para Phoebe fazer”. Era meio que simples assim. Nós ficamos juntos, ela e George [Daniel] são amigos, então sim, era simples assim.

É claro que a internet é mais do que apenas uma musa para todos vocês. Como o seu relacionamento com a Internet progrediu até agora? Seus pensamentos sobre isso muitas vezes têm sido realmente relacionáveis ​​com seus ouvintes.

Eu passei a adolescência na pré-internet, estava lá pouco antes de toda essa merda acontecer. Eu acho que a internet, para mim, é incrivelmente fascinante. No momento, há muito Zoom, FaceTime e outras coisas. As pessoas estão usando isso como a ideia original, que era estender nossos relacionamentos preexistentes para que você possa conversar com a porra da sua mãe quando ela estiver de férias, ou você pode conversar com Barry do trabalho quando ele estiver na China. Tratava-se de ampliar a comunicação pré-existente. Não era sobre o que as mídias sociais se tornaram em geral, como esse fórum enorme.

Estamos em um lugar interessante agora, onde haverá muito investimento financeiro nessa idéia utópica original, porque as pessoas estão fazendo isso agora. Tivemos, digamos, o “mundo real” tirado de nós. Tivemos comunicação e tato tiradas de nós. Portanto, a primeira coisa que tentamos é replicar qualquer coisa que não temos online. Ninguém nem sabia o que diabos era o Zoom há alguns meses e agora é a coisa, então isso vai ter um investimento enorme. Eles trabalharão como o Zoom 3D agora. O que eu estou falando é a idéia de expandir a proximidade e a tatilidade e isso está acontecendo muito no espaço online. E acho que será acelerado por causa do que aconteceu agora.

O que você acha que é sua responsabilidade agora como artista?

Não sei, não tenho uma responsabilidade específica que é colocada em mim. Eu sinto que venho do punk e do hardcore, e isso foi sobre a idéia de que, se você estiver nesse palco, faça com que isso signifique alguma coisa. Todas as idéias que estavam ao meu redor, que estavam alimentando muita música em que eu estava – tratava-se de enfrentar ideias que promoviam a desigualdade, e isso acontece em um espaço pequeno. Eu acho que é assim que eu me sinto. Quero dizer, não preciso tentar nem nada. É assim que as coisas são.

A coisa toda é que eu uso a beleza como a ferramenta mais nítida que temos para transmitir ideias. Você mostra a alguém algo bonito, então eles se sentam e ouvem. Você então tem a oportunidade de apresentar a eles um dilema ético – essa é minha nova versão do punk rock. Apenas vem de um lugar de querer inspirar pessoas, mudar o indivíduo e, portanto, mudar o mundo.

A faixa de abertura com Greta Thunberg e seu discurso sobre mudança ecológica é uma mensagem realmente oportuna hoje. Há algo que você esteja lendo, assistindo, ouvindo em quarentena, que possa influenciar o futuro da The 1975?

Eu estou jogando no momento. Estou realmente interessado no espaço digital, para ser sincero com você. Estou interessado em novos conteúdos, seja o que for. Você sabe como os filmes podem ressoar com você de uma maneira que os jogos não podem, e os jogos podem ressoar com você de uma maneira que a música não pode, e a música pode ressoar com você de uma maneira que a literatura não pode? Quero sintetizar tudo isso – quero algo em que você possa experimentar uma narrativa da maneira que faz em um filme e se relacionar com a tomada de decisão e a interface da maneira que faz com um jogo incrível e você pode se relacionar com a música da maneira que faz quando a cria. Esta é uma experiência que estou interessado em curar. Muitas das coisas da The 1975 serão apenas minhas experiências com o espaço digital, onde quer que seja, como VR.

Você teve um cachorro durante a quarentena chamado Mayhem. Como está treinando ele?

Ele é realmente um bom menino! Ele está sendo muito bom – ele é um grande cão. Eu tenho a responsabilidade de tê-lo realmente treinado. Eu gosto muito de cães realmente treinados – odeio cães que não são bonzinhos. Isso me deixa louco porque sinto pena deles. Não tem desculpa!

 

Quando The 1975 lançou Frail State of Mind em outubro passado, a letra de abertura, “Go outside? Seems unlikely”, parecia uma letra típica de Matty Healy: emoção pesada, batida leve. Agora, ele diz, que é um dos muitos momentos do quarto álbum da banda, Notes on a Condditional Form, que adquiriram uma ressonância estranha. “Este álbum faz a mesma pergunta que o último disco”, diz ele. “O centrismo vai aguentar? Isso é estranho? É um pouco assustador. Vai ser lançado em um momento em que isso parece bastante justificado.”

Bem, sim. Em uma linha do tempo mais interessante, The 1975 seria a atração principal nas arenas dos EUA e desfrutaria de toda uma agenda antes do lançamento enquanto você lia isso. Muitas coisas. Quando o isolamento apareceu, Healy se perguntou onde ele mais queria estar. Sempre que ele não está fazendo música, ele tem “uma falta inerente de propósito”, então ele foi direto para o estúdio residencial da banda em Northamptonshire com o baterista e co-produtor George Daniel. Depois de terminar alguns trabalhos de produção, os dois começaram a brincar com o novo material da The 1975.

A situação atual se infiltrou nas letras – para um compositor tão afinado com o ruído de fundo da sociedade quanto Healy, como poderia ser diferente? – mas ele está pisando em ovos. “Yannis, do Foals, disse outro dia que não há prêmio para a primeira pessoa fazer um álbum sobre o Corona”, diz Healy, rindo, quando nos encontramos no FaceTime. Ele está no modo bunker: cabelos desgrenhados, camisa folgada, um pouco de barba por fazer, um maço de cigarros por perto. “Não estou interessado em declarações reativas. Estou interessado em viver em um ambiente e depois refletir como foi. Quero ver como serão as conversas e no que as pessoas se transformam.”

É de se admirar que The 1975 ainda tenha alguma carta na manga após as Notes On a Conditional Form. Anunciadao há dois anos como uma peça companheira do vencedor do BRIT’s A Brief Inquiry Into Online Relationships, suas 22 músicas levaram 19 meses em 15 estúdios em quatro países. Mais do que o Tusk de Fleetwood Mac e apenas alguns minutos a menos do que o White Album dos Beatles, ele apresenta, entre outras coisas, Greta Thunberg, FKA Twigs, um dueto com Phoebe Bridgers sobre homossexualidade reprimida na América, um diário de turnê country-rock, uma canção de amor shoegaze, um hino house liderado por Cutty Ranks e uma canção escrita pelo pai de Healy há 30 anos. Os temas principais, diz Healy, são “ansiedade, violência e beleza inatingível”.

Ele acha que é o melhor álbum da The 1975; é certamente o álbum mais The 1975. Longe das típicas músicas radio-friendly, o álbum reduz à reputação da banda de soar como algo e não ser nada: uma consequência inevitável do cérebro giratório do vocalista. Pensamentos voam dele como faíscas em uma roda. Se essa compulsão de dizer o que está em sua mente faz dele uma figura divisória – para alguns a representação de uma geração, para outros uma simples boca pretensiosa -, que assim seja. “Eu não sou um abacate”, diz ele com precisão. “Nem todo mundo me acha incrível.”

Não havia um plano para fazer um disco tão amplo; eles simplesmente não queriam parar. “Eu estava conversando com Brian Eno sobre isso outro dia”, diz Healy, meio que se desculpando pelo namedrop (ele entrevistou a Eno para uma nova série de podcasts). “Estou na mesma banda há 17 anos. Nós gravamos e moramos juntos. Portanto, não nos esforçamos para sermos ousados; estamos apenas evitando ficar entediados.”

A faixa final, Guys, é uma doce canção de amor dedicada à banda que ele formou no colégio Wilmslow em Cheshire: “A melhor coisa que já aconteceu.” Este é o primeiro álbum em que ele se permitiu olhar para trás. “Há muita pauta sobre a vida aos 30 anos neste álbum”, diz Healy, que completou 31 anos em abril. “Like All My Friends do LCD Soundsystem: olhando minha cena olhar para trás.” Isso significa refletir sobre sua vida e as escolhas que ele fez. “Meus 20 anos foram um caos e eu não vivi uma vida doméstica, então há muitas coisas que simplesmente não aprendi. Eu não sou emocionalmente maduro. Houve momentos em que isso prejudicou meus relacionamentos [ele se separou da modelo Gabriella Brooks no último verão] e eu me pergunto: ‘Por que valorizo ​​tanto minha carreira?’ Estou tentando abandonar essa ideia. Quero ter um período na minha vida em que não estou em conflito com isso.”

Healy diz que está tentando evitar qualquer atividade que não sirva diretamente à música da The 1975. Em março, ele postou no Twitter uma piada espetacular sobre a mídia social (“Pare de dizer às pessoas para apoiá-lo, não queremos seu EP nem seu zine agora Laura, vamos morrer”) que provocou acusações desagradáveis de privilégio e o fez querer ficar quieto. “Talvez tenha sido meu último problema no Twitter”, diz ele. “Não é que eu tenha me queimado por isso – eu não dou a mínima, eu sou cancelado toda semana – é que eu estou mais interessado em minha declaração de longo prazo. Estou confortável em lançar um disco, mas não em me promover. A ideia de autopromoção superficial realmente chama a atenção das pessoas no momento, porque parece frívola.”

A atual crise de propósito entre as celebridades o fascina. Como filho de dois atores assombrados por tabloides, Tim Healy e Denise Welch, ele diz que nunca achou a fama exótica. Parecia uma chatice. “Eu não sinto a necessidade de estar presente na cultura, a menos que eu tenha uma música. Muitos artistas descobriram que esse vazio enorme foi criado e pensam: ‘O que posso fazer para ocupar o espaço que normalmente estava preenchido? Vou fazer um cover de Elton John no Instagram.’ Foi criada essa nova cultura de conteúdo. Tenho sorte de ter um álbum sendo lançado e é um álbum sobre esse tempo e esse tipo de ideia.”

Recentemente, Healy atraiu um escrutínio mais intenso, tornando-se mais politicamente franco. Desde que The 1975 lançou as duas primeiras faixas do novo álbum no verão passado – o protesto-punk People e o monólogo de Greta Thunberg com música – ele deve se posicionar sobre tudo. Quando você é célebre por espalhar opiniões como uma mangueira de incêndio, suas omissões levantam suspeitas. Ele acha que a frase mais engraçada do álbum vem de Roadkill: “I took shit for being quiet during the election and maybe that’s fair, but I’m a busy guy.” (Me julgaram por ficar quieto durante a eleição, e talvez isso seja justo, mas eu sou um cara ocupado).

“Para ser sincero com você, fiquei tão desiludido”, diz ele. “Não gosto de Jeremy Corbyn, não gosto de Boris Johnson, não confio em nenhum deles. O que quero dizer é: sim, eu sei, mas estou fazendo a minha parte. Comece por outra pessoa.” Escolha suas batalhas, ele aconselha outros artistas, mas escolha alguma coisa. “Se você deseja se envolver na criação de coisas, esteja preparado para dizer algo, porque as pessoas estão sentindo uma verdadeira sensação de inutilidade. Acho que depois disso haverá um sentimento pós-guerra. Não consigo imaginar algo superficial mudando o mundo.”

Esse é o tipo de grande pronunciamento que agrava os céticos, mas Healy costuma ser seu crítico mais agudo. Ele usa o diálogo em suas músicas – meio real, meio inventado – para se interrogar. Integral ao seu compromisso com a honestidade e a autoconsciência (“Se você está fazendo arte, as coisas que você quer descartar são provavelmente as que você deve lançar”) é o conhecimento de que honestidade e autoconsciência podem se transformar em mais uma rotina se você não for cuidadoso. “As pessoas que compartilham demais porque acham que é agradável podem ser bastante exaustivas. A autodepreciação está tudo bem, se for real, mas algo performativo é irritante. Se as pessoas sentirem que você está com a curadoria da perspectiva delas, irão pensar: foda-se, apenas me diga a verdade.”

Atualmente, grande parte dessa curadoria de personalidade ocorre online. Healy é um dos poucos compositores que pode examinar a cultura da Internet sem deixá-lo paralisado de vergonha, porque a música dele soa da maneira que o mundo moderno se sente: superestimulado, oscilando entre emoção e ansiedade. “O tema principal em meus discos é a comunicação e aconversa”, diz ele. “Deus, céu, inferno, reencarnação… são todas idéias incríveis, mas a única coisa que realmente vai acontecer é esta: eu e você, conversando e pensando sobre isso. Como fazemos isso e por que fazemos isso é o que realmente me interessa.”

Agora, estamos sendo forçados a viver online como nunca antes – um desenvolvimento que Healy considera surpreendentemente benigno. “Está quase se aproximando da ideia utópica e original da internet, que é a extensão de relacionamentos pré-existentes. A internet é um enorme experimento social que nos deu a liberdade de fazer qualquer coisa, e parece que o que queremos é um ambiente para nossa raiva e ansiedade, mas não foi para isso que foi inventada.”

Healy também tem pensado em como a música vai mudar. Antes da crise, muitos artistas estavam conversando sobre como reinventar a música ao vivo de uma maneira mais ambientalmente sustentável. Healy, que participou da criação do atual show da The 1975, acha que o reinício rígido do setor forçará esse sentido. “Os shows estão no fim. Acabou” – ele diz, acenando com o cigarro. “Precisamos mudar a porra do mundo. Na música ao vivo, as portas não serão abertas por fora. Eles vão ser chutadas por dentro por pessoas como eu, Alex Turner e Dua Lipa. Trata-se de sacrificar a maneira como as coisas costumavam funcionar, porque elas não funcionam mais.”

Os shows certamente não funcionam no momento. Para The 1975, a agenda difícil que acompanha um grande lançamento chegou a um impasse. Sem shows, aparições na TV, propagandas em outdoors. Notes On a Conditional Form simplesmente aparecerá online e permanecerá ou cairá por seus próprios méritos. Healy fez as pazes com isso.

“É importante para mim que esse álbum pareça ter sido lançado em outro momento. O que as pessoas estão entusiasmadas agora é fundamental, como dar um passeio, como poder ver sua mãe. Por isso, eclipsou todas as agendas superficiais que costumamos fazer em torno de um disco.” De certa forma, isso parece adequado. “Fiquei obcecado com a ideia do fim de uma era e entrar em uma nova década. Essa porra se parece com isso. Estamos em um mundo novo.”