Uma tarde em Londres conversando com o vocalista mais falador do pop sobre se apaixonar e desapaixonar, política pesada, punheta e tudo mais que entrou no novo álbum Being Funny in a Foreign Language.

 

O erotismo dos Beatles realmente chama a atenção. “Tem outra pessoa comendo ela,” Matty Healy observa, quietamente boquiaberto. Ele está espiando um trisal surreal esboçado por John Lennon em 1969, após seu casamento com Yoko Ono, que mostra dois John Lennons distintos dando prazer à nova esposa – um acima da cintura, o outro abaixo. “Isso é atrevido, isso é ótimo”, acrescenta Healy, balançando a cabeça em aprovação. “É sempre foda pra caralho aqui, cara. Eu amo esse lugar.”

O vocalista da The 1975 está dentro da Peter Harrington, uma pequena e imaculada livraria no centro de Londres que atende a obsessivos em busca de edições e artefatos raros, fólios de Shakespeare do século 17 e convites para jantar levemente manchados, escritos à mão por Oscar Wilde. Healy vai lá regularmente. Ele começou a vir aqui há cerca de oito anos, depois que o álbum de estreia da The 1975 deu início à ascensão do quarteto emo-pop a um dos atos mais ousados ​​da última década, ultrapassando gêneros em velocidade de banda larga, com Healy como seu porta-voz polarizador da geração millenial. Desde então, ele fez amizade com o funcionário Ben Houston, que nos guia através de uma vitrine particular de mercadorias preciosas no santuário interno fortificado da loja. Houston, o professor legal do aluno ansioso, se lembra da primeira vez que viu o cantor na loja e pensou: “Quem diabos usa botas de pele de cobra?” Neste sábado de julho, enquanto ele faz uma pausa nas sessões de vídeo e fotos em torno de Being Funny in a Foreign Language, quinto álbum da The 1975, o roqueiro de 33 anos está mais casual, em uma calça branca de botão aberto e tênis Adidas surrados.

O desenho de Lennon faz parte de uma coleção de gravuras de edição limitada em uma bolsa de vinil marfim que está à venda por £110.000. Isso naturalmente chama a atenção de Healy, embora mais tarde ele esclareça, em um de seus muitos monólogos sinuosos e divertidos, que enquanto ele ama os Beatles, ele é mais os Rolling Stones, e que Paul McCartney é “o melhor Beatle” e que, chegando à maioridade em uma cidade de classe média indefinida ao sul de Manchester nos anos 2000, as lendas locais, Joy Division, eram essencialmente seus Beatles, de qualquer maneira.

Healy corre pelas estantes que vão do chão ao teto da loja, como um cachorro perseguindo um brinquedo. A certa altura, ele é gentilmente repreendido por vasculhar uma pilha de livros que já foram vendidos. Ele fornece comentários contínuos, quase sempre geeks, sobre desde uma cópia original da estreia de Hunter S. Thompson em 1967, Hell’s Angels: medo e delírio sobre duas rodas, a um volume cheio de fotografias artísticas de arquitetura industrial envelhecida. Mas ele fica brevemente em silêncio quando é apresentado a um volume robusto conhecido como a Crônica de Nuremberg. É um dos primeiros livros amplamente ilustrados já impressos, com mais de 500 anos, e um valor de quase £90.000. “Isso é muito foda”, Healy eventualmente murmura com admiração, enquanto Houston cuidadosamente vira as páginas para mostrar intrincadas representações de figuras religiosas ao lado de letras latinas incrivelmente ornamentadas. Absorvendo os detalhes históricos, Healy brinca: “As pessoas levavam as coisas a sério antes mesmo do Twitter”.

Ele reage com mais paixão às coisas efêmeras da contracultura dos anos 1960, dos primeiros zines punk ou dos jornais de computador dos anos 1970 com intenções radicais para a tecnologia; grupos de pessoas que resistiram à ortodoxia em busca de utopias fora da sociedade dominante. “Costumávamos querer que nossos artistas fossem boêmios fumantes que iriam correr riscos que o resto de nós não correria”, ele reflete. “Agora há esse desejo, especialmente online, de que eles sejam acadêmicos liberais.”

A fixação de Healy com os rebeldes de mente livre, da cultura Beat em particular, está enraizada na mitologia da The 1975. Ele zombou de sua propensão a “citar On the Road [de Jack Kerouac] como um idiota” no single de 2016 “A Change of Heart”. O nome de sua banda foi tirado de uma versão do mesmo livro datada em “1st of June, the 1975” (1º de Junho de 1975). Ele não possui mais aquela cópia, porque a deu a uma garota que estava tentando impressionar durante um período de três meses na escola de música, por volta de 2007. “Eu a vi uma vez”, diz ele, “então nem sei quem diabos ela é.”

Em uma prateleira de cima, ele olha alguns livros de William S. Burroughs, que romantizou a vida de um viciado em heroína em seu romance autobiográfico de 1953, Junkie. “Essa coisa me causou problemas”, diz Healy, aludindo ao seu próprio vício em heroína, que começou em 2014 e durou até ele se internar em uma clínica de reabilitação em Barbados três anos depois. Em sua juventude, ler escritores como Burroughs o fez pensar: E se eu for tão decadente assim? “Então”, ele diz, “eu me tornei um viciado e fiquei chato”.

Healy compra um item, uma revista de poesia de 1967 com uma capa colada que inclui fotos de Burroughs e do ícone do Beat Allen Ginsberg, juntamente com uma formatação irregular de máquina de escrever que ele acha esteticamente agradável. Isso custou £275. “Eu realmente não faço nada com isso, apenas os tenho em casa e olho para eles”, diz ele com uma risada, falando sobre seu estoque de relíquias difíceis de encontrar, que inclui o guia do ativista guerrilheiro Abbie Hoffman para uma vida libertária, intitulado Fuck The System (Foda-se o Sistema). “Há uma verdadeira ironia”, reconhece ele quando perguntado sobre a incongruência de pagar centenas por literatura que buscava difundir o pensamento radical e anti consumista. “Mas você sabe como eu me sinto sobre ironia e paradoxo e a conversa – eu amo tudo isso.”

Em quase todas as formas concebíveis, Matty Healy é muito. Quando ele realmente começa, ele balança os braços na frente do corpo como um Muppet em perigo. Outras vezes, ele bate na mesa à sua frente ou bate palmas para dar ênfase. Sua risada é um chocalho chapado que se curva para cima em tom, em algum lugar entre Seth Rogen e Pica-Pau. Ele fala em parágrafos livres que muitas vezes ejetam toda a força de seu rosto. Com base em uma contagem aproximada, ele solta variações da palavra “fuck” cerca de 200 vezes no total em uma única tarde, geralmente para aumentar o volume de algo que ele adora ou abomina, como por exemplo: “fuck yeah”, ele é fã pra caralho de Kate Bush, ou, por outro lado, ele “fucking hate Metallica”: “pior banda de todos os tempos.”

Às vezes, pode parecer que ele está tendo uma conversa tensa consigo mesmo enquanto se volta para ideias complicadas, perde momentaneamente a linha de pensamento ou muda de ideia completamente no meio da frase. Ele é amaldiçoado com uma autoconsciência que pode transformar uma ideia simples em uma diatribe do cérebro. “É cansativo ser eu”, ele admite, sorrindo. “Sou uma pessoa cansativa de se estar por perto.” Filho dos astros da TV britânica Denise Welch e Tim Healy, ele cresceu no mundo das celebridades e teve lugar na primeira fila. “Não falando da postura dos meus pais”, ele diz, “mas na hora de ser um artista e fazer entrevistas, no meu cérebro, eu pensava que ia enlouquecer se eu tivesse que ter qualquer uma das posturas que testemunhei toda a minha vida.”

Essa franqueza se estende à sua composição. Healy é um oversharer (aquele que compartilha demais) sem esperança que canta sobre amor, sexo, perda e o ridículo da fama. Ele tem um talento especial para letras concisas que resumem a maldita condição milenar: “A modernidade falhou conosco” ou “Minha geração quer foder com o Barack Obama”. Em Being Funny, previsto para este outono, ele se pergunta abertamente: “Estou militando ironicamente? Sou o alvo da minha piada?” e pode parecer que ele está em grave perigo de desaparecer em seus próprios problemas. Mas ele também é seu próprio crítico mais severo. Ouvir uma música da The 1975 pode parecer como estar preso entre dois Matty Healys, com um deles revirando os olhos para o outro. Descrevendo para mim esses empurrões e puxões internos, ele diz: “Sei que não sou tão inteligente quanto acho que sou”.

Além de ser um artista pop galvanizador, Healy também defendeu os direitos reprodutivos das mulheres em um show no Alabama, criticou a misoginia na música ao vivo na premiação televisionada do BRITs e convidou a ativista climática Greta Thunberg para fazer um discurso de quatro minutos e meio minuto em uma música. “Para mim, ele é o frontman perfeito”, diz a memorialista best-seller e líder do Japanese Breakfast, Michelle Zauner, uma fã de longa data da The 1975 que faz backing vocals no recente single do grupo, “Part of the Band”. “Muitas vezes penso em como ele tem sido franco sobre várias questões políticas, assim como esperamos de frontmans do punk e hardcore que são muito quietos sobre essas coisas.”

Mas a atitude despreocupada de Healy também o colocou em apuros – várias vezes. Por exemplo, após o assassinato de George Floyd em 2020, Healy twittou: “Se você realmente acredita que ‘TODAS AS VIDAS IMPORTAM’, você precisa parar de facilitar a morte dos negros”, ao lado de um link para “Love It If We Made It” da The 1975, lançada dois anos antes, que inclui a frase: “Vendendo melanina e depois sufocando homens negros / Comece com pequenos delitos e faremos um negócio partir disso”. Ele foi posteriormente acusado de usar o movimento Black Lives Matter para promover sua própria música. A palavra “cancelado” foi cogitada. Depois, o pedido de desculpas. “Desculpe, eu não linkei minha música naquele tweet para falar sobre mim, é só que a música é literalmente sobre essa situação nojenta e fala mais eloquentemente do que eu posso no Twitter”, ele postou antes de desativar sua conta. que tinha cerca de um milhão de seguidores. Embora ele ainda poste no Instagram, ele não é visto no Twitter desde então. “Eu não fugi do Twitter”, ele diz agora. “Eu fiquei tipo, ‘Quer saber? Se eu quiser escrever sobre a guerra cultural, não quero mais ser parte nisso.’”

As idas e vindas da mídia social de Healy importam porque ele é o compositor mais incisivo do pop sobre o tema da cultura online, com a capacidade de conjurar revelações olhando profundamente – ou esmagando – o espelho infinito da internet. Com “Love It If We Made It”, o auge do álbum de 2018 da The 1975, A Brief Inquiry Into Online Relationships, Healy pegou a ansiedade do doom scrolling (gastar uma quantidade excessiva de tempo de tela dedicado à absorção de notícias negativa) e a transformou em um hino político assustadoramente relevante. A música soa como um rol de males e injustiças da sociedade e não oferece respostas fáceis. Ainda permanece como um monumento intimidante no catálogo da The 1975, tão bom que Brian Eno disse uma vez que gostaria de tê-lo escrito.

“Part of the Band”, o primeiro single de Being Funny, é outro bocado que só Healy poderia ter inventado, um auto-espetamento brincalhão e triste que inclui referências ao poeta francês Arthur Rimbaud, masturbação e “baristas chiques que usam ecobags e tomam vacinas”. Depois de ouvi-la, Chris Martin, do Coldplay, mandou uma mensagem para Healy dizendo que é uma “música corajosa”. “E eu fiquei tipo, ‘Eu não sei como ser corajoso’”, diz Healy com uma risada.

Algumas das falas mais complicadas da faixa dizem: “Tantos momentos vergonhosos e sessões de heroína / Eu еstava perdendo as estribеiras / Vivendo nas margens da minha imaginação”. Quando Michelle Zauner leu essas letras pela primeira vez, ela se lembra de pensar “como era incrível que alguém pudesse cantar ‘cringes’, ‘binges’ e ‘fringes’ e fazer esse esquema de rimas não soar brega pra caralho”. Ela ri. “Ele segue essa linha tão bem, onde é capaz de fazer algo convincente, profundo e inteligente que também está prestes a fazer as pessoas odiá-lo.” (Devolvendo o elogio, Healy diz que a letra de Zauner “I can’t get you off my mind, I can’t get off in general”, da música japonesa do Breakfast “Boyish”, é sua linha favorita dos últimos 10 anos.)

Falando sobre suas composições em Being Funny, em relação à sua presença online cada vez menor, Healy diz: “Pensei em cada palavra deste álbum por dois anos; Eu pensaria em um tweet por 20 segundos. Meu álbum vai sair para 10 milhões de pessoas, mas um tweet pode sair para um bilhão. A matemática não dá certo. Eu morro pelos meus discos, mas não morro pelos meus tweets. É melhor dizer poucas coisas boas do que dizer muitas coisas medianas.”

Com Being Funny in a Foreign Language, Healy e seus companheiros de banda – o guitarrista Adam Hann, o baixista Ross MacDonald e o baterista-produtor George Daniel – estão perseguindo a essência que os torna uma banda de sucesso mundial. Isso exige muito trabalho. O título inicial do álbum, At Their Very Best, não foi necessariamente uma declaração de qualidade artística, mas sim um aceno para o fato de que esses amigos de longa data estão em excelente forma.

Healy está sóbrio, em dieta, lutando boxe e treinando com uma máscara de privação de oxigênio (ele a chama de “Máscara Bane”) para que ele possa correr e cantar por duas horas seguidas em palcos ao redor do mundo nos próximos dois anos. Daniel e MacDonald estão muito sarados agora. E Hann cresceu emocionalmente, tornando-se o primeiro membro da The 1975 a se casar e ter um filho. Uma versão da arte do álbum tinha o quarteto em torno do bebê, embora fosse considerada muito pessoal. Em vez disso, a capa mostra Healy posando em cima de um carro queimado.

A The 1975 em melhor forma, também significa que Healy não usa heroína há quatro anos. Ele diz que parar foi “meio fácil para mim, porque é muito assustador, nojento, sujo, e ninguém brinca com isso – você não vai comer uma pizza e alguém coloca heroína na sua frente”. Ele ainda fuma maconha constantemente, mas está trabalhando para parar com isso também. “Todo mundo fuma maconha, está tudo bem. Mas eu sou um viciado, então não está tudo bem. Não quero mais ser viciado em nada.” No dia em que nos encontramos, ele fumou uma série de baseados relativamente suaves. É parte de um esforço para se livrar de tensões mais fortes enquanto se prepara para o próximo show em um festival no Japão, onde as leis de drogas são rígidas e maconha boa é difícil de encontrar. “A última pessoa com quem eu consegui maconha no Japão foi Dave Mustaine do Megadeth, e eu não acho que ele vai estar lá,” Healy fala impassível. “E meu contato no Japão morreu de COVID. Descanse em paz. Ele estava no meu telefone como ‘Traficante Gordo do Japão’, mas ele era um cara legal.”

Debruçado sobre um bife em uma elegante brasserie francesa que tem teto alto, vidro e tons cremosos de bege, Healy mapeia seu processo de pensamento em torno do Being Funny. “Em cada disco que fiz, me convenci de que tinha muito a provar, então tinha que ser sobre tudo o que já aconteceu, tudo o que está acontecendo agora e tudo o que poderia acontecer”, diz ele entre bocados de carne, que ele come com o zelo de um homem que está faminto há dias. “Mas neste álbum, eu disse: ‘Em vez de um magnum opus, que tal algo como uma polaroid?’” Com 11 músicas e 44 minutos, Being Funny é o álbum mais curto até agora, com cerca de metade do tamanho do Notes on a Conditional Form, de 2020.

A The 1975 estipulou a si mesma algumas regras básicas: evitar mexer com computadores e concentrar-se no que pode ser feito no estúdio ao vivo. “Qualquer um pode fazer algo com tecnologia, mas somos uma banda há 20 anos – não é algorítmico”, diz Healy. “George é um dos melhores bateristas do mundo, toque a porra da bateria! Hann arrasa na guitarra, então arrase na guitarra!” Mesmo com essas regras, Healy admite que foi preciso muita contenção para controlar as coisas. “Eu quero que meus discos representem quem eu sou, e eu sou tantas coisas”, diz ele. “E eu também nunca quero fazer nada que pareça humilde, porque isso seria performático.”

Being Funny gasta uma boa parte de seu tempo de execução focando no estilo que marca muitos dos maiores sucessos do grupo até agora: pop-rock dos anos 80, brilhante o suficiente para trilha sonora de um reboot do Clube dos Cinco, repleto de saxofones lamentosos, bateria imponente e ganchos pegajosos como gel de cabelo. Pense em “So” do Peter Gabriel. Pense em “She Drives Me Crazy” do Fine Young Cannibals. Pense no Rick Astley, porra. Pense, bem, na The 1975: Várias faixas soam como versões mais sábias e naturalistas do funk de guitarra contagiante encontrado no segundo álbum, I like it when you sleep, for you are so beautiful yet so unaware of it.

O novo single “Happiness” possui algumas camadas extras de The 1975 que o favorito de Healy, Charlie Kaufman, poderia apreciar. A música é baseada em uma demo da produtora cult de dance-pop DJ Sabrina the Teenage DJ, que incorporou um trecho desacelerado de uma antiga entrevista de Healy na faixa. Falando sobre aquela amostra de si mesmo, no meio da mastigação, Healy diz: “Eu não sabia que era eu até gravarmos o disco! Eu só pensei que era um cara que tem um sotaque inglês estranho.” Nesse espírito meta-arquivista, ele acrescenta que atualmente está conversando com empresas como a Netflix para lançar um documentário da The 1975 que inclui imagens de mais de 15 anos da banda, e que ele quer que um obsessivo que cresceu ouvindo a The 1975 coloque isso tudo junto.

O álbum é composto de mais do que apenas boas vibrações. “About You”, um dueto com a esposa de Hann, Carly Holt, um destaque melancólico onde Healy canaliza a tristeza elegante de Morrissey sobre um instrumental que lembra “With or Without You” do U2. “Human Too”, um R&B em que Healy expõe suas fragilidades, apresenta uma de suas performances vocais mais comoventes até hoje. Na faixa de abertura “The 1975”, o cantor se culpa por “fazer uma estética do não bem-estar e extrair todos os pedaços de você que achou que poderia vender” (Making an aesthetic out of not doing well and mining all the bits of you you think you can sell) em cima de pianos que lembram fortemente “All My Friends” do LCD Soundsystem. Ele pega seu telefone e canta uma letra que acabou sendo cortada da faixa porque era muito auto-referencial, mesmo para ele: “You owe James Murphy 20 percent of this song, your career, and the whole idea / Of living in the city with a tingle of fear” (Você deve a James Murphy 20% dessa música, sua carreira e toda a ideia / De viver na cidade com uma pontada de medo).

Depois, há “All I Need to Hear”. Gravada em um take, a emocionante balada de piano é a rara música da The 1975 que não exige que Healy cante para que faça sentido. Parece universal, mas não anônima, clássica, mas viva. Quando digo a ele que parece o tipo de música que Adele pode cantar, ele acena vigorosamente. “O objetivo é que soe como um cover”, diz ele. “Como uma piada, George disse, ‘Eu não acho que você escreveu isso.’ É a minha coisa favorita que ele já me disse.” Outra faixa surpreendentemente direta é “I’m in Love with You”, onde Healy repete a frase-título 24 vezes em um ritmo galopante. O vídeo dessa música, que será lançado, apresenta uma participação especial de Phoebe Bridgers e é uma espécie de sequência do clipe “Change of Heart”, onde Healey dançou e fez mímica e foi rejeitado enquanto usava maquiagem de palhaço. Ele diz que a coreografia para o novo vídeo é tão intensa que parecia que ele teve uma insolação enquanto filmava.

Músicas como essas exemplificam outra regra que Healy estabeleceu para si mesmo em Being Funny: lutar pela vulnerabilidade genuína a cada passo. “Já fizemos demais a linha inteligente e legal”, diz ele. “Mas que tal… prepare-se… seriedade? Se você destronar a sinceridade com ironia, você terá um tirano no final do dia, e estou meio cansado disso. Porque o que me deixa desconfortável é dizer, tipo, ‘Você se importa em me dizer que eu sou bom, ou que você me ama, só para que eu possa me sentir bem?’ Essa é a merda que eu tenho medo, ser visto como um cara chato. É muito mais difícil ser um pouco ingênuo e sentimental sem voltar atrás ou fazer piada, tipo ‘eu me masturbo o tempo todo’.”

Ressalto que há, de fato, várias vezes no álbum em que ele canta sobre punheta. “Tem muito disso!” ele concordou, rindo. “Há tantas boas piadas sobre pau no disco. É tudo sobre o meu pau. Estou obcecado com meu pau por algum motivo. Estou tentando descobrir o que isso representa. Acho que é porque há tanta potência na ideia do pau, e tanta fragilidade na masculinidade moderna, e na minha masculinidade. Estou obcecada com essa dualidade, de apenas, tipo, ter um pau.”

Sim, Being Funny in a Foreign Language é muito engraçado. Há uma piada sobre mãe, uma piada sobre QAnon, uma piada sobre uma criança de 10 anos que é “obcecada por bunda gorda”. Taylor Swift, que ouviu o disco cedo, resumiu em três palavras: “É tão engraçado”. A maioria dos amigos de Healy são comediantes, e sua aprovação de seu trabalho é particularmente importante para ele: ele tocou o álbum para o comediante musical Bo Burnham e ficou satisfeito quando Burnham riu em todos os momentos certos. Healy brinca que ficou furioso quando ouviu a música de Burnham de 2021, “That Funny Feeling”, que lista os males da sociedade às vésperas da destruição, a la “Love It If We Made It”. “Ele precisa ficar na dele”, acrescenta com um sorriso. “Quando ele fez essa música, eu fiquei tipo, ‘Seu filho da puta’.”

Embora Being Funny, que foi gravado este ano, geralmente soe como uma versão mais sofisticada da The 1975 em sua forma mais acessível, ele não começou assim. Por alguns meses ao longo de 2021, Healy e Daniel tiveram sessões de composição com BJ Burton, mais conhecido por seu trabalho de produção inovador do rock experimental moderno, como 22, A Million de Bon Iver, e os dois últimos álbuns do Low, Double Negative e HEY WHAT. Como já se esperava, as sessões foram difíceis.

Por e-mail, Burton explica que Healy e Daniel “trabalham de maneira muito diferente” dele. “Eles estão sempre pegando músicas do Spotify, ou checando outra referência para uma progressão de acordes. Eu queria ajudar a mudar isso, eu acho”, diz ele. “Houve momentos, faíscas em que as músicas estavam sendo criadas, mas no final fizemos um monte de demos iniciais.” Quando soube que Healy e Daniel também começaram a conversar com Jack Antonoff, o produtor de pop-rock mais requisitado do planeta, Burton perdeu toda a motivação e desistiu. “Foi um grande golpe na minha confiança quando eles se encontraram com Jack”, ele admite. “Ainda dói, honestamente.”

Embora Healy admire uma virada musical ousada – ele cita 22, A Million, Yeezus do Kanye e Kid A de sua banda favorita, Radiohead, como as melhores deste século – ele admite que as sessões com Burton foram muito difíceis. “Se você der a mim, BJ e George muita rédea, vamos nos enforcar em falhas e estranhezas”, diz ele. Ainda assim, Healy acrescenta que eles fizeram “algumas coisas fodas” com Burton, e sugere que ele pode revisitar alguns desses sons estranhos no futuro, talvez no próximo álbum da The 1975 ou em um disco solo.

Em última análise, o emparelhamento de Healy e Antonoff faz sentido. Ambos são nerds de música infinitamente referenciais que são conhecidos por suas personalidades neuróticas e volúveis; ambos fizeram videoclipes nos quais são vistos conversando com terapeutas. “As pessoas podem pensar que não é legal trabalhar com o maior produtor do mundo – eu não dou a mínima”, diz Healy, inclinando-se. Neste ponto, Healy conta com Antonoff como um dos poucos amigos próximos que ele fez nos últimos anos, uma alma gêmea. “Jack não é recrutado por muitos dos melhores artistas porque ele é um cara legal – Jack é bom,” ele explica. Healy também deixa claro que ele está sempre no controle criativo total – da produção, composição, performances. “Tudo o que a The 1975 faz, eu escrevo.” Ele ri baixinho. “Ninguém toca nas letras.”

Com grandes ideias sobre originalidade, pós-modernismo e o terrível estado do mundo flutuando do tópico e circulando nossa conversa, ofereço uma teoria sobre como Being Funny se encaixa no projeto da The 1975 em geral. Se “Love It If We Made It” foi um último apelo por esperança, os quatro anos seguintes, repletos de catástrofes climáticas cada vez piores, guerras e grandes democracias em declínio, todos levam a uma conclusão: não vamos conseguir. Mas Being Funny, com todos os seus sons confortavelmente familiares, suas expressões relacionáveis ​​de alegria e tristeza, parece dizer: vamos tentar nos agarrar ao que podemos enquanto isso. Healy acena com a cabeça lentamente. “É exatamente isso”, diz ele. “A fertilidade necessária para novas ideias é o futuro, e nós realmente não temos o futuro, então não temos tantas ideias novas. Talvez seja por isso que nosso disco soa assim.”

Após o almoço, surge a ideia de dar um mergulho refrescante em uma lagoa próxima, mas Healy a rejeita. Um: ele está cheio de bife. Dois: ele acha que é nojento. “Também não quero fingir que vou nadar em Londres porque nunca nadei em Londres na minha vida”, diz ele. “Você quer entrar em um lago na porra do centro de Londres, você está louco? Parece assustador.” Em vez disso, seguimos para o St. James’ Park, perto do Palácio de Buckingham.

No caminho, ele aponta um apartamento onde Johnny Depp morava. A partir daí, a conversa se volta para a cultura do cancelamento, um tópico que Healy acha chato e inevitável; em Being Funny, ele menciona ter sido cancelado duas vezes, soando exausto nas duas vezes. Dadas as próprias experiências de Healy, ele se tornou uma espécie de confidente para músicos que de repente se encontram na mira da internet. Ele diz que o jovem roqueiro britânico Sam Fender recentemente ligou para ele chorando depois de postar uma foto dele bebendo uma cerveja com Depp e o roqueiro clássico Jeff Beck (legenda: “Alguns dos meus heróis”). “Oh, Deus o abençoe, ele me ligou o dia todo”, diz Healy. “Os comentários dele pegaram fogo. As pessoas que nem sabem quem ele é ficavam tipo, ‘Team Johnny’ ou coisa parecida.”

Pensando em seu discurso contra a proibição do aborto no Alabama há alguns anos, pergunto se ele planeja abordar a questão novamente agora que os direitos reprodutivos das mulheres foram retirados em grande parte da América. “Porra, eu não sei o que devo fazer”, diz ele com um suspiro. Ele então pega o telefone com uma risada e me mostra uma foto de um boné azul que ele fez que diz: “FAÇA A THE 1975 SER POLÍTICA DE NOVO” (MAKE THE 1975 POLITICAL AGAIN). É uma resposta à relativa falta de declarações políticas ousadas em Being Funny. Ele está planejando vender os bonés em turnê? “Só não vou vendê-lo porque o boné MAGA como piada é tão batido”, diz ele. “Mas acho que é tão antigo agora que é quase engraçado.”

Andando pelo parque, ele se descreve como “politicamente sem-teto”, antes de esclarecer sua posição mais tarde. “Certamente não sou da extrema esquerda, mas também acho que a palavra ‘centrista’ se tornou tão onipresente que chega a ser irritante”, diz ele. “Suponho que sou um progressista tradicional que suspeita do wokism (militância online contemporânea) como uma visão de mundo viável ou um dispositivo para melhorar as coisas. Mas não quero ser associado a nenhum lado porque assim não posso fazer piadas sobre eles. Eu só quero fazer piadas.”

Agora que há uma expectativa de que Healy seja um incendiário progressista, ele está se irritando com isso. Ele hesitaria em falar sobre as questões atuais no palco neste momento? “Talvez,” ele diz com outro suspiro. “Eu não sei, cara. Tipo, ajudei em algo? Se eu ainda estivesse fazendo isso, sinto que estaria chovendo no molhado. No momento não estou me deixando ficar furioso. Mas provavelmente haverá outro momento em que eu estarei.”

Acabamos passeando por um gramado seco e crocante e nos acomodamos em duas espreguiçadeiras listradas sob um dossel de plátanos. Um atendente de colete laranja se aproxima e nos informa humildemente que há uma pequena taxa para usar as cadeiras. Healy educadamente usa seu telefone para pagar, mas uma vez que o cara está fora do alcance da voz, ele expressa sua irritação. “Alugando cadeiras, alugando cadeiras”, diz ele, inclinando-se para a segunda com um toque dramático. “Por que não protestei contra isso? É assim, mano, primeiro eles pegaram as cadeiras, a gente não falou nada, depois eles pegaram o parque…” Ele ri. “Imposto sobre a grama”.

Being Funny pode não conter muitos pronunciamentos importantes, mas inclui algumas das composições mais pessoais da carreira de Healy. “O amor é a narrativa, a intenção e o obstáculo”, diz ele. Ele imita a curva narrativa do álbum enquanto oferece comentários: Sua mão se move em direção ao céu (“O amor é possível?”), então atinge um pico (“Porra, parece que sim…”), então desliza de volta para baixo (um gemido deflacionado) .

Mesmo nas faixas mais adoradas do álbum, geralmente ainda há um trecho sobre como é apenas uma questão de tempo antes que ele estrague tudo. “Estou projetando algo lá”, ele admite. “Estou condicionado a saber que vou estragar alguma coisa, então entro em qualquer coisa que me faça sentir verdadeiramente vulnerável com o reconhecimento de que pode ser temporário, ou posso estar limitado em minha capacidade de cumprir essa coisa realmente grande. Isso não exige que eu seja perspicaz, espirituoso ou hábil. Isso exige que eu seja ingênuo, simples, legal e confiável. Eu me preocupo com isso, porque sou melhor em fazer uma piada e ir embora.”

A música favorita de Healy no álbum neste momento é o final, “When We Are Together”, um choro folk que narra as consequências vazias de um relacionamento. “The only time I feel I might get better/Is when we are together” (A única vez que sinto que posso melhorar / É quando estamos juntos)”, Healy canta no refrão, apoiado por uma guitarra solitária. É lindo e sombrio. Ele gravou a música no Electric Lady, no centro de Nova York, em maio, pouco antes de entregar o álbum. Ele se lembra de seu corpo ficando mole depois de cantar a última frase no estúdio. “Depois que terminei, não parei para ouvir”, diz ele. “Eu fiquei tipo, ‘Eu estou indo para casa. Vejo você em duas semanas. Foi fodidamente difícil.”

Embora Healy se recuse a falar sobre as especificidades de sua vida amorosa, em junho, surgiram relatos de que ele e a estrela pop FKA Twigs terminaram depois de namorar por dois anos. E há uma letra de “When We Are Together”“‘I’m better at writing’ was just a way to get you biting / Oh the truth is that our egos are absurd” (‘Eu escrevo melhor’ foi apenas uma maneira de fazer você reagir / Oh, a verdade é que nossos egos são absurdos) – isso certamente parece que poderia ser sobre outro compositor. “Eu não quero ser obtuso, mas isso não é especificamente sobre ela,” ele diz. “Este álbum em particular abrange muitos relacionamentos. E se você está em um relacionamento com uma pessoa criativa, sempre há uma dinâmica lá. Essa frase é sobre eu ter o monopólio da escrita.”

Certamente também não é a primeira vez que Healy escreve sobre suas ex em músicas. “Recebi telefonemas quando os álbuns foram lançados dizendo ‘Você é um merda’.” Mas ele não prevê esse tipo de reação com Being Funny. “Eu odeio os caras que são, tipo, ‘Eu vou ser um idiota na busca de uma boa composição’”, acrescenta. “Eu não sou alguém que constrói drama para conseguir músicas. Isso é chato pra caralho.”

O vento aumenta e Healy se relaxa em sua cadeira. “É tão bom, na verdade, estar do lado de fora”, diz ele. Conforme ele se aprofunda em mais complexidades emocionais, sua conversa fica mais lenta e seu tom fica um pouco mais suave. Há outra linha potencialmente carregada da música sobre a qual estou curioso: “I thought we were fighting, but it seems I was ‘gaslighting’ you/I didn’t know that it had its own word” (Pensei que estávamos brigando, mas parece que estava ‘gaslighting’ você / não sabia existia uma palavra para isso). É o tipo de frase que pode vir acompanhada de um dos olhos patenteados de Healy, uma crítica ao léxico acordado. Esse não é o caso aqui.

“Há muitos neologismos que acho desnecessários, mas quando alguém explicou o gaslighting, percebi que tinha feito isso em meus relacionamentos e pensei: porra”, explica ele. “Como faço muito terapia, essa é uma das minhas novidades: cuidado com o gaslighting. Eu não sabia que isso era uma coisa. Agora tenho uma maneira de estar ciente de quando sou manipulador. Às vezes eu faço isso e digo: ‘Espere, estou fazendo a coisa e sei o que é isso e sinto muito’. Está crescendo.”

Ele se levanta de sua cadeira alugada e se vira — ele estava de costas para o lago do parque o tempo todo que estivemos aqui. À sua frente está uma tela digna de Monet, emoldurada por galhos e pontilhada de patos e lírios. “Eu nunca venho aqui”, diz Healy. “Parece tão romântico.” Por um momento fugaz, ele aprecia a vista em silêncio.

Estou observando o perfil lateral de Matty Healy à sua direita enquanto ele formula uma resposta em câmera lenta. A luz está atingindo-o à sua esquerda através de placas de vidro que mostram um jardim zen japonês. Eu esperava respostas mais rápidas do frontman do The 1975. Conhecido como o porta-voz da geração millenial – pelo menos no mundo da música – ele está sempre pronto com uma citação marcante ou, até recentemente, um tweet que provocará elogios e fúria em igual peso. Mas não é mais ele. Ele não quer mais ser porta-voz e certamente não quer se tornar mais famoso do que já é.

Ele basicamente se parece com O Pensador de Auguste Rodin, se a escultura estivesse fumando um baseado e usando Tabis bronzeado. Escrevo isso com o sorriso implícito que acredito que Healy aprovaria. É um homem que vive a tarefa impossível de equilibrar o uso extensivo de referências culturais e o autoconhecimento; um homem que tem a primeira edição de Infinite Jest com um marcador colocado a um quarto do caminho para exibição na sala ao lado, em parte porque ele é um fã de David Foster Wallace, mas principalmente como um aceno para aquela piada sobre todo mundo ter uma cópia dele um quarto de leitura. Um homem — branco, heterossexual — cuja vontade de falar sobre arte e ideias às vezes foi vista, em nossa era pós-moderna, niilista e hiperconsumista, como pretensiosa. Ele acha que seu cérebro funciona mais rápido do que bem, mas é afiado o suficiente para ser a pessoa que captou o que as pessoas pensam dele melhor em uma entrevista à Rolling Stone de 2016: “bastante desagradável, mas bastante sincero”.

Ser um porta-voz tinha se tornado genuinamente cansativo depois de anos de dizer inadvertidamente que às vezes se sentia como um messias, admitindo a hipótese de que namorar com Taylor Swift seria castrador e um improviso sobre a misoginia no hip-hop. Ele foi arrastado para um ciclo de arrependimento e reincidência por tais coisas, a maioria das quais ocorreu na mídia ou nas redes sociais. Mas é igualmente verdade que fazer entrevistas foi um lembrete indesejado de que ser Matty Healy é um trabalho. Um que às vezes não combinava com alguém que é um “um grande homem criança”. Ter 33 anos – sua idade atual – não significa dizer (e ele diz isso com a voz de Kevin the Teenager) “eu não quero fazer isso”. Este trecho de sua vida é sobre aparecer e fazer o que precisa ser feito.

Dito isso, são as entrevistas escritas que são o problema e você pode entender a preocupação dele com isso – você não pode ver que estou rindo de suas piadas ou que sua opinião, que parece mais ousada escrita, foi motivada pela minha pergunta original. Agora, é usado como manchete: “Matty Healy não acredita mais que o amor verdadeiro existe”, ou algo assim. Ele entende que seu vocalismo lhe rendeu uma base de fãs e elogios da crítica; que é isso que o torna divisivo e interessante como figura cultural. Por isso, ele parece nervoso na primeira vez que nos encontramos em sua sessão de fotos para a Rolling Stone UK e apreensivo quando estive em sua casa no norte de Londres, embora seu RP e empresário estejam presentes. Ele é cuidadoso em dizer as coisas com exatidão medida, ele está dizendo coisas – pensativas, coisas bastante adoráveis ​​– fora da gravação e ele está editando suas opiniões para mim em voz alta. Há uma sensação de paranóia (talvez justificada) – em um ponto de nossa entrevista, cutuco meu telefone para verificar se ainda está gravando e ele diz que me ajudará e cutuca o dele. Sua tela acende e percebo que ele também está gravando nossa conversa.

Quando pergunto a ele sobre isso na semana seguinte, ele diz que me gravou por três motivos: como um backup para mim se eu tivesse um problema de gravação; porque há anos um documentário da The 1975 está sendo feito e talvez o áudio possa ser útil; para manter um registro de nossa conversa no caso de ele ser mal interpretado (não que ele fosse no Twitter e dissesse “eu tenho a gravação e realmente disse isso”, ele me garante).

Todas as preocupações levam ao fato de que ele não quer mais justificar as declarações que faz. “Não vou pedir desculpas hoje em dia”, diz ele. “Não estou me desculpando por coisas, só porque eu acho que você não deveria ou eu deveria ou alguém deveria que não ser intolerante, racista, violento ou criminoso. Eu não acredito que eu sou. Então, eu só quero ter certeza de que há contexto para que eu não precise”.

De qualquer forma, em sua casa, Healy diz que há tanta informação escrita no mundo, na forma de legendas, tweets, entrevistas, resenhas, que devemos procurar outras formas de nos comunicarmos.

“Se você é uma pessoa que consegue transmitir informações, consegue transmitir palavras e ideias sem anotar, você deveria mesmo fazer isso. Apenas faça isso. Tente e apenas faça isso. Não sei de quantas entrevistas de David Byrne eu preciso. Eu não sei de quantas entrevistas eu teria precisado de Velazquez, você entende o que quero dizer? Eu não estou me comparando com David Byrne e Velazquez, antes de você sorrir ironicamente para mim assim…” (eu ri.)

Agora, é na nova mídia que ele está interessado como consumidor e participante ocasional: boletins da Substack e podcasts da Dimes Square, como a comédia ousada de Cumtown ou comentários culturais de Red Scare, embora não tanto o conteúdo político do último. Ele gostaria de participar do “The Joe Rogan Experience” durante uma conversa de duas horas e meia com o controverso podcaster americano, ele acredita que poderia falar longamente sobre tópicos sem que os pontos de discussão fossem distorcidos por edições.

Não fazer mais entrevistas fazia sentido quando ele disse isso originalmente. The 1975 foi indiscutivelmente a banda mais culturalmente relevante da década de 2010, fazendo música de gênero, antes disso ser um clichê, porque toda música é agora, e escrevendo extensivamente sobre nosso uso generalizado da internet e mídia social. A década em si havia terminado quando Healy deixou seus 20 anos, uma época de sua vida caracterizada pelo abuso de drogas, reabilitação e a adolescência prolongada por ser uma estrela do rock. Para onde ir a partir daí?

No próximo ano, a banda estará fazendo música juntos de alguma forma por 20 anos. O passado deles está bem documentado: os colegas de classe Matthew Healy – o filho mais velho dos atores de TV Denise Welch e Tim Healy – e o baterista George Daniel se conheceram na escola em Cheshire e se tornaram grandes amigos. Eles formaram vários projetos musicais que resultaram na boy band britânica The 1975, um ato que não poderia ser assinado por nenhuma grande gravadora do mundo. As conversas intermináveis e as decepções da indústria deixaram Healy confuso. A banda e seu empresário Jamie Oborne decidiram que se juntariam à Dirty Hit, a própria gravadora indie de Oborne que agora é o que a XL Recordings era para os millennials da geração Zoomer, lançando músicas de artistas esquerdistas como Beabadoobee e Rina Sawayama. Com seu álbum de estréia auto-intitulado The 1975, eles foram um sucesso graças às garotas do Tumblr e aos americanos que nunca experimentaram o indie britânico imediato dos anos 2000 e ficaram surpresos ao ouvir esse sotaque em músicas brilhantes e vibrantes no estilo dos anos 80, feitas por músicos endividados com a música emo dos EUA. Como Oborne me diz: “Às vezes, trabalhar com artistas é como empurrar a porra de uma pedra colina acima e outras vezes tem seu próprio impulso. Eu sinto que as pessoas estão conectadas com algo dentro do DNA da banda e Matthew como o frontman. E isso meio que se espalhou.”

The 1975 pode acabar, disse Healy à imprensa nas mesmas entrevistas que anunciou serem as últimas. Isso foi verdade por um momento, mas não mais. “Sempre houve muito ‘será que eles vão ou não vão?’ com a minha banda. ‘Eles vão se separar? Eles não vão? Vou superar as drogas?’ E eu sempre me inclinei para isso porque eu gosto disso. Eu amo o drama disso,” ele sorri de seu sofá. “E acho que agora percebi, não de uma maneira sexy, que a The 1975 não vai se separar. O que acontece com The 1975 pode ser uma infinidade de coisas, mas a separação não vai realmente acontecer”.

O que faz Healy se sentir confortável com a ideia de que a The 1975 sempre existirá como um grupo de velhos amigos fazendo arte, é a sua percepção de que ele é um escritor antes de tudo. O que ele escreve não são grandes obras panorâmicas como Tolstói – “novamente, não me comparando a Tolstói” – mas instantâneos de como ele está se sentindo no mundo em um determinado momento. Isso tira a pressão de estar na banda dele de alguma forma.

Então, aqui estamos inaugurando a nova era do The 1975, na casa de pedra de Matty Healy que parece um mosteiro japonês. Esta é a era – em vez de ser auto-engrandecedor, Healy usa esse termo porque seus fãs o adotaram para se referir a capítulos da carreira da The 1975, como fazem com outras estrelas pop – de incorporar o fato de que a sinceridade é assustadora, adequadamente desta vez, ao invés de apenas cantar e falar sobre isso. A era da vulnerabilidade no centro de sua arte e vida. A era de não ser mais o porta-voz de uma geração. A era do estar offline e do ser, em geral. A era de se apaixonar, de verdade, e escrever um álbum de amor marcadamente sincero. A era de se perguntar, depois do amor, se o amor verdadeiro existe, mas esperar que sim.

Depois de passar pela porta da frente de Healy, você se depara com uma escultura que parece uma grande pedra no corredor. “Gosto de objetos realmente pesados porque representam permanência”, explica ele, “porque faço muitas turnês, e quando volto, a primeira coisa que vejo é esse objeto imóvel”. Como todo mundo, ele foi forçado a ficar parado pela pandemia. A mania de trabalhar em dois álbuns em conjunto – escrevendo Notes on a Conditional Form durante o dia e fazendo a turnê do A Brief Inquiry Into Online Relationships à noite – chegou a um fim abrupto. Durante o confinamento, ele começou a treinar jujutsu todos os dias e refletiu sobre si mesmo e seu próprio comportamento, como todos nós fizemos. “Sou um viciado, e percebi que define todo o meu comportamento”, diz ele. “Então, não estou interessado em ser inteligente ou ser percebido como inteligente ou um leitor voraz. Não sou nada voraz. Eu sou um viciado”. Não demorou para que em 2020, então, ele começasse a trabalhar em demos com Daniel que se tornariam seu quinto álbum.

Healy percebeu que The 1975 tinha levado a ideia de ser uma banda na era pós-moderna da internet longe o suficiente. Notes foi um álbum experimental extenso, de 22 faixas, que alcançou emo, UK garage, country, house e música ambiente. Foi existencial, comovente, virtuoso, um pouco auto-indulgente e para um ouvinte, honestamente, exaustivo. “Tenho certeza de que há pessoas que não terminaram o Notes”, admite Healy. Para uma banda que havia levado o maximalismo e o experimentalismo a tal extremo que se tornou seu próprio exoesqueleto, The 1975 decidiu fazer a coisa mais radical que poderia pensar: apenas ser uma banda novamente.

“As músicas foram escritas, fomos a um estúdio, produzimos e gravamos. Nós essencialmente não fizemos isso antes, além do primeiro álbum”, explica Healy. “Você pode tentar descobrir o que quero dizer sem isso soar meio pretensioso ou maluco, mas é meio que imitar o The 1975”.

Eles não estavam mais sendo clínicos sobre música, um componente necessário para criar os dois últimos discos. Algumas dessas músicas foram gravadas em um ou dois takes. “Sempre quis fazer algo muito, muito íntimo e que permitisse você ser testemunha de um momento”, diz Healy.

Essa intimidade atinge a consciência coletiva, no entanto, assim como as formas de seus álbuns anteriores foram informadas pela cultura daquele ano. É reflexo da fadiga do compartilhamento excessivo, da fadiga da opinião, da fadiga do cinismo. É tirar tudo e viver de forma simples, como fomos forçados a fazer temporariamente durante a pandemia, mas, mais crucialmente, ansiamos de alguma forma elementar agora.

Dez anos atrás, reflete Healy, ouvir um ruído gerado por computador em uma faixa, foi surpreendente e deixou você imaginando como foi feito. Agora não afeta, porque qualquer pessoa com programas básicos pode fazer esses ruídos. “O que as pessoas não podem fazer,” diz ele, contando cada um desses notáveis nos dedos, “é saber usar um estúdio, estar em uma banda há 20 anos, escrever músicas e tocar juntos há 20 anos, e ser capaz de entrar em uma sala e capturar isso. Tipo, quase ninguém pode fazer isso”. Este álbum foi sobre o retorno ao ofício e habilidades básicas indiscutíveis. “Era sobre fazer o que você é bom. É nisso que eu acho que as pessoas realmente gostam agora”, continua Healy. Ele usa o exemplo de assistir a um atleta correndo uma corrida. “Nós nunca vamos precisar que Christopher Nolan dirija os 100 metros para torná-lo mais interessante. Porque é alguém fazendo algo ótimo e você só quer vê-lo fazer. E eu sinto que estamos chegando a uma era em que não queremos experiências de qualidade”.

Com o objetivo de destilação, gravaram no Electric Lady em Nova York e no Real World, estúdio de Peter Gabriel em Bath. O mundo real não se parece muito com a casa de Healy: muita pedra, materiais naturais, painéis de vidro e construídos para incluir elementos de luz, ar e água. Healy costumava ter uma foto da sala de controle na parede de seu quarto quando era criança em Manchester. Para aprofundar a abordagem, Jack Antonoff juntou-se posteriormente para co-produzir o disco com Healy e Daniel. “Tivemos uma série de conversas, e uma das coisas era sobre ‘macho versus durão’, onde queríamos fazer algo que não fosse másculo, mas que parecesse bastante duro, adulto e real”, diz Healy sobre trabalhar com Antonoff.

Quando seu álbum de estreia estava ganhando força, Daniel percebeu que uma das razões pelas quais sua música estava se conectando com as pessoas era a capacidade de Healy de fazer um ouvinte ou um membro do público se sentir pessoalmente abordado. “Nós realmente queríamos voltar a isso e purificá-lo neste disco”, escreve Daniel por e-mail. O resultado é being funny in a foreign language. Suas 11 faixas, incluindo o usual auto-intitulado que eles colocam no início de todos os seus discos, fazem dele o álbum mais curto até agora. A intenção é que você possa ouvir de frente para trás em uma sessão. Eles estão pensando em como fazer uma turnê ao vivo, que começará na América do Norte no outono de 2022 e no Reino Unido no início de 2023. Será “íntimista” – essa palavra novamente – e o oposto da turnê anterior, que estava na sua cara, explosiva e cheia de informações em LED por trás da banda. “Quero que as pessoas se sintam como se estivessem em um pequeno teatro ao invés de um IMAX porque, você sabe, em um IMAX você pode simplesmente ir ao banheiro”, diz Healy. A ideia de observar e estar presente para algo tem sido tão central para este projeto, que se infiltrou de maneiras que Healy só percebeu na reflexão. “Quando olhamos para todas as fotos que foram tiradas para esta campanha, toda vez que olhamos para a câmera, não gostamos. E cada foto em que algo está acontecendo, ou você é testemunha de um momento, todos nós dizemos: ‘É isso!'”, diz ele. “Porque é isso que esse disco é. Não é didático.” Para ele, é atemporal. Demorou cinco discos, mas aqui está ele com um álbum que soa como um álbum.

The 1975 é conhecida por captar a experiência milennial, por vivência nas redes sociais e online. Mas esta é uma banda cuja preocupação central sempre foi o amor. No drama adolescente de sua estréia, Healy está implorando enfaticamente ‘Me ame, nos ame!’; em faixas posteriores (incluindo uma literalmente chamada Love Me), eles falam sobre ser amado, e tanto amar quanto buscar amor em drogas, sexo e atenção; de A Brief Inquiry em diante, eles exploram mais diretamente tudo no clima atual que nos impede de alcançar e nutrir o amor romântico.

“Eu não pensei sobre isso assim, como o próprio amor sendo o denominador comum em várias atividades diferentes, mas é isso que é”, diz Healy quando digo isso a ele. “Sempre soube que tenho feito perguntas diferentes em discos diferentes, mas todas são perguntas tipo: ​​você pode? Eu posso? Nós podemos?”

Este novo álbum é um amadurecimento de A Brief Inquiry, que foi o resultado de Healy lendo David Foster Wallace e pensando na cura de Wallace para uma cultura cínica: sinceridade. Agora Healy está incorporando os ideais do escritor em sua música ao invés de meditar sobre eles, e o resultado é mais sério do que qualquer um poderia esperar.

“Este álbum definitivamente pega essas ideias e diz: ‘Bem, o niilismo em seus 20 anos é muito sexy, muito legal e bem feito, e talvez apropriado’. Começar a abrir caminho para valores mais tradicionais, que não são tão sexy, que não são tão agitados. Eles são a responsabilidade, a idade adulta, esse tipo de ideia”, diz Healy. “O que estou perguntando neste álbum no contexto do amor. Você pode encontrar o amor verdadeiro, versus toda essa ironia, todo esse pós-modernismo, tudo isso… Não quero dizer neoliberalismo, mas versus a internet, versus tecnologia? Podemos encontrar o amor verdadeiro de uma maneira que estávamos culturalmente buscando no início do século 20?”. Bem, podemos encontrar o amor verdadeiro agora? “Não sei”, diz ele. “É realmente difícil.” Apesar do que Healy diz, ser engraçado em uma língua estrangeira parece pensar que podemos encontrar o amor, pelo menos por um tempo. Para ele, a amabilidade de being funny in a foreign language é a mais alta sofisticação. Isso significa que você deve ter empatia e vontade de ser vulnerável e humano, correndo o risco de errar. “Acho que o álbum é sobre lutar por todos esses objetivos bastante efêmeros: amor, felicidade, unidade”, diz ele.

Musicalmente e tonalmente, being funny é dividido em dois: começa com uma visão externa, irônica e analítica sobre encontrar o amor durante as guerras culturais e se torna simplista e claramente diarística sobre seus próprios relacionamentos românticos. “Eu queria escrever sobre a guerra cultural, mas também escrever sobre estar apaixonado e ‘Sim, foda-se tudo isso, vamos nos beijar’ ou coisas que são um pouco assustadoras”, Healy me diz. “Porque eu estou tão entediado de ‘Essa é uma ideia muito boa, mano.’ Tipo, tente dizer algo legal. É realmente muito difícil”. Um problema que o amor em geral enfrenta é a ideia de que a masculinidade moderna está em crise. Tiroteios em massa e violência aparecem em Looking for Somebody to Love, uma música sombria e otimista inspirada nos anos 80 que poderia ser a trilha sonora de um episódio de Black Mirror sobre o que acontece quando um homem não consegue convencer uma mulher a sair com ele. “Você tem que me mostrar como empurrar, se você não quer um empurrão, são as palavras de um jovem, já condenado, procurando alguém para amar”, canta Healy. O lado mais leve de uma masculinidade confusa é ecoado no single principal, Part of the Band: “Eu gosto dos meus homens como gosto do meu café / Cheio de leite de soja e tão doce que não ofenderá ninguém”.

Quando chegamos ao tópico dos homens, Healy chama Oborne para localizá-lo. “O que você precisa?” pergunta Oborne da cozinha. “Qualquer coisa que eu diga que é ridículo”, grita Healy, enquanto abre uma enorme piteira, e então volta para mim: “Isso é um adereço de um vídeo, não é como eu seguro meus cigarros”.

Falamos sobre o fato de termos a violência e a masculinidade perigosa descontrolada de um lado e homens cheios de leite de soja e inofensivamente sem graça do outro. O que é uma demonstração saudável de masculinidade quando homens jovens estão sendo radicalizados em comunidades antifeministas em um ritmo alarmante? “Eu sei que a direita tem mais sucesso com a aquisição de homens jovens do que a esquerda, e como alguém que é definitivamente de esquerda, é interessante assistir, porque a esquerda não parece ter uma masculinidade ideal, enquanto a direita tem uma muito, muito clara”, diz Healy. O que prende a imaginação desses jovens é uma diretriz clara dos ideais patriarcais tradicionais na ausência de qualquer outra coisa. Enquanto isso, na cultura pop mainstream, homens privilegiados são elogiados por seus fãs, usuários de mídia social e sites agregados por usarem vestidos, saias ou esmaltes – significantes vazios quando combinados com uma celebridade que não se manifesta sobre questões políticas relacionadas a gênero e sexualidade. “O que é ser homem para homens que pensam que ‘ser homem’ não é uma peça de meta-performance sobre desconstrução?” pergunta Healy. “A única forma de masculinidade que se celebra é aquela que a desconstrói. Então: em um vestido. Eu não sei o que é ser homem se você não está apenas desconstruindo ser homem e tendo isso celebrado.”

Até agora, The 1975. Quando o álbum se torna “sentimental”, “patético” e direto, é surpreendente. Até mesmo Healy acha suas músicas tão pouco cínicas que quase estremece ao ouvi-las no contexto do álbum completo. Em All I Need to Hear, uma balada tranquila com guitarra elétrica, piano e cordas, ele canta para o amor de sua vida: “diga-me que você me ama, porque é tudo o que eu preciso ouvir”. A conclusão da última faixa inspirada no country (When We Are Together) é que “a única vez que sinto que pode melhorar é quando estamos juntos”.

No entanto, não é um romance higienizado nessas últimas músicas; há algum glamour desbotado e um realismo pacífico nas anedotas cotidianas. “Todo mundo fica desapontado quando a tem. Eu incluído, a vida incluída”, diz Healy, citando o filme de Charlie Kaufman, Synecdoche New York. “Relacionamentos românticos são a única coisa que eu não acho que Einstein poderia ter escrito uma tese que teria ajudado alguém. É tão difícil.” Pergunto se ele leu o livro heteronormativo e um pouco ultrapassado The Art of Loving de Erich Fromm, um dos meus favoritos sobre relacionamentos. Ele não leu, então explico sua tese geral: que o amor não é um sentimento, mas algo a ser praticado, exigindo disciplina, compromisso e atenção. “Talvez ele tivesse um parceiro duro e teve que escrever este livro”, diz Healy. Ele se apresenta divertidamente como Fromm: “Não, vai ficar tudo bem. Vai ficar bem. Ela é legal. Ela é legal.”

Ele está brincando, mas concorda com Fromm em teoria: o amor é sobre manutenção e compromisso. Como costuma fazer, Healy traz essa ideia de volta à música. “A inspiração não vem à sua procura. O amor não vem te procurar. Você tem que aparecer todos os dias e pegá-lo”, diz ele. “Vou ao estúdio e vai ser chato por quatro horas. Será o mesmo som de teclado, o mesmo som de teclado, mas, acidentalmente, alguém bate em um oscilador e ele faz algo interessante. E eu digo, ‘Oh, o que é isso?’ E agora você está fora e você é criativo, e você está vivo. Então, é sobre aparecer todos os dias e permitir que isso aconteça. Porque se você não aparecer, nada vai acontecer.” Acima da cabeça de Healy, enquanto ele fala, há uma tela quadrada preta afixada na parede. É sua pintura favorita no mundo, de um homem chamado Hisashi Indo. “Ele era um engenheiro civil que perdeu o trem para Hiroshima e todos os seus companheiros foram e a bomba explodiu”, explica Healy. “Ele não sabia como lidar com essa experiência. E ele não queria mais ser engenheiro civil, então, no seu quintal todos os dias, nesse ritual simbólico, usava essa laca roxa escura. Ele faria uma impressão de tela e faria isso todos os dias por um ano. Eventualmente, ele apenas fica preto. Após um ano de apenas uma ação que é uma representação de sua dor, torna-se uma metáfora de uma pintura. Porque não é uma pintura, mas é, porra. Então é um paradoxo e vem de… bem, diabos, de onde vem isso?”

Matty Healy tem algo chamado “The Room” em sua casa. Está cheio de esquisitices de um armazenamento que ele ainda não conseguiu organizar. A razão pela qual ele me deixou ver dentro do “pesadelo” é porque ele mencionou que tinha algo esotérico que é “muito foda lá” e obviamente eu precisava ver. Ele me dá uma mão enquanto eu hesito em passar por cima dos diversos itens que cobrem o chão. Há caos suficiente para se sentir quase envergonhado de olhar na frente da pessoa que o criou, mas se eles não estivessem lá, você seria como um estudante de doutorado na Biblioteca Britânica, analisando seu conteúdo por horas. Listar alguns dos artefatos culturais de Healy explica sua visão de mundo – e, no mínimo, é uma homenagem aos muitos easter eggs que ele deixa escondidos em seu trabalho, aqueles que os fãs de The 1975 descobrem com sucesso a cada lançamento. Ele tem cassetes originais de Daniel Johnston; um poema de Jack Kerouac sobre o poeta Arthur Rimbaud, que é citado em Part of the Band (“coisas atrevidas aqui também”, comenta, apontando para algumas linhas); um cartão da espingarda de William Burroughs; um cartão postal que foi enviado aos fãs dos pioneiros da música industrial Throbbing Gristle em 1981 para informá-los de sua separação. Meu favorito é seu comunicado de imprensa original para Infinite Jest, dentro de uma cópia da coleção de contos de Wallace, Brief Interviews com Hideous Men. Digo a ele que ler a história Em On His Deathbed, em que um homem descreve o filho que sempre odiou e a mãe do filho que foi “reduzida e refeita” pelo menino, quase me impediu de ter filhos para a vida toda. “Existem tantos filmes ou peças de literatura que me aterrorizam sobre a vida real”, diz Healy. Ele quer filhos, em algum momento: “Estou bem, vou ficar bem. É sobre dinheiro, realmente, bebês, não é?”

Um de seus itens favoritos é um panfleto dos anos 60 da ativista Abbie Hoffman chamado Fuck the System. Ele detalha como viver fora da lei em Nova York: como obter comida grátis, acomodação, advogados, drogas. Healy era um punk adolescente, influenciado pelo fato de seu pai vir de uma comunidade mineira devastada pela liderança de Thatcher. “O ethos do punk seria tão demonizado pela esquerda se os Sex Pistols ou algo legítimo desse tipo acontecesse agora”, diz ele, segurando o panfleto rosa com as duas mãos. “Quando reflito sobre todas essas coisas que colecionei desde criança, que para mim representaram uma verdadeira contracultura e progressão, me sinto um pouco politicamente sem-teto, porque não sei como essas coisas seriam adotadas.” Suponho que há uma pergunta sobre a qual alguns que estão lendo isso estarão se perguntando. “Eu não estou entranso na minha era ‘anti-woke’”, Healy me assegura. Ele nunca tentou manter uma boa posição liberal porque é popular fazê-lo, diz ele, embora isso tenha sido assumido por detratores nos últimos anos. “O que eu fiz?” ele diz, contando cada afirmação nos dedos novamente: eu disse, seja legal com os gays, seja legal com os negros, vamos salvar o planeta e a religião organizada é uma rede ruim. Ele traz à tona o Twitter, que diz ter saído em 2020 porque queria comentar sobre a guerra cultural, não fazer parte dela (“Não sou representante de nada político”, comenta). Embora ele continue adotando o YouTube e aprendendo online, telefones e mídias sociais são geralmente considerados um fardo. Se você quer um momento relacionável com esse perfil, é isso: em um ponto, ele olha para o jardim japonês que está exposto ao céu e diz: “Estou recebendo um corvo, cara. Escreva com uma pena, mande para lá.”

O que esses pequenos “cancelamentos” muitas vezes repetitivos significam para artistas como Healy é ambíguo (ele deixou o Twitter, mas é frontman da maior banda cult do mundo e co-criador de um dos lançamentos mais esperados do ano). Em vez de ter impactos tangíveis em suas carreiras, parece que esses microdramas causam principalmente ansiedade e estresse aos artistas. Healy, o rei do cancelamento suave, agora é alguém que os jovens músicos procuram quando sofrem uma repreensão pública. “Eu quase tenho esse irmão mais velho – não orwelliano, irmão mais velho de verdade – com eles porque sou um de seus colegas”, diz ele, acrescentando que “meu telefone é como samaritanos se você for cancelado”. Ele percebeu, refletindo, que sendo engraçado, há mais conteúdo de cancelamento do que ele pretendia. “Acho que há três linhas sobre ser cancelado, e comecei a pensar: ‘Porra, eu realmente não me importo muito com o cancelamento.’ Não estou preocupado com isso; é apenas uma coisa engraçada”, diz ele. É cada vez mais difícil se importar com as pequenas ofensas morais feitas por figuras públicas quando as maiores feitas por pessoas com poder legislativo são tão flagrantes e impunes. Nós temos a necessidade de ter caras maus online, acredita Healy, porque somos todos o personagem principal, atuando para o nosso público, e os personagens principais são quase sempre inerentemente bons.

“Eu provavelmente não poderia nem dar um exemplo agora, de um desses caras maus no ano passado e é porque não nos importamos”, diz Healy. “Qualquer coisa moralmente impassível que essa pessoa tenha feito, nós realmente não nos importamos com isso. Tudo o que realmente queremos fazer é entregar nossa bondade.” Ele usa a notícia recente sobre a música Lizzo usando uma calúnia habilidosa em uma nova faixa e o discurso em torno disso como exemplo. “Ninguém estava sentado em casa com seu parceiro vindo até eles dizendo ‘Babe, você está bem?’ E eles dizendo, ‘… É apenas essa coisa da Lizzo’. Isso não acontece. As pessoas não se importam assim. E não devemos fingir que podemos ter a capacidade de nos importar com tudo.” Provavelmente há uma leitura de má fé do que ele disse, desprovida de contexto e sem que eu concorde e sorria enquanto penso no meme ‘babe, você está bem’, mas ele não está errado. O que realmente nos importa, diz Healy, é o amor. São as pessoas em nossas vidas, a maneira como elas nos movem emocionalmente, a pessoa para quem voltamos para casa todas as noites.

Na semana seguinte, Matty Healy nasce de novo. Ele está mais suave e composto por uma videochamada quando me mostra que está no sofá embaixo da arte do luto, exatamente como estava antes. Ele não expressa seu fraseado nas direções do palco. Não há ninguém para localizá-lo. Ele passou o tempo desde que nos conhecemos pensando em como ser “Papai Healy” em turnê será difícil. “Quando eu tinha, tipo, 24, 25 anos, tudo o que eu fazia era tão alimentado pelo florescimento da juventude, e não digo isso para parecer velho, mas costumava não dar muito trabalho no que fazia e tudo o que fiz foi naturalmente”, diz ele sobre se apresentar em turnê. “E agora tudo que eu faço é… bem, quero dizer, olhe para o meu café da manhã.” Ele mostra uma refeição digna de Pingu: um peixe em um prato branco, nada mais. Agora estamos nos aproximando do lançamento de being funny, como ele se sente sobre a perspectiva de lançar algo mais vulnerável e expositivo pessoalmente? Há uma mudança de marcha enquanto ele come a cavala (peixe) . “Bom! Sim, muito foda certo! Quero dizer, não estou mais com medo, você entende o que quero dizer? ele diz, e faz uma pausa depois de um gole levemente performático. “Tipo, bem, espere… Por que estou dizendo isso, então, tipo, aggy?” Eu também havia notado. Talvez porque você está com medo, eu ofereço. Ele afirma que ainda não tinha pensado nisso – e eu realmente acho que é mais vulnerável do que seu trabalho anterior?

É sim! – eu aponto para a balada de 2018 Be My Mistake, uma música acústica desprotegida sobre traição e encontrar conforto no sexo e no amor. Poderia felizmente existir neste álbum, mas se destacou como diferente em A Brief Inquiry. Ele concorda, o que é reconfortante para ele porque Be My Mistake não o faz se sentir vulnerável, mas conectado. Alguém uma vez disse a ele para ler a seção de comentários do vídeo dessa música: é como um tópico do Reddit de pessoas que não falam mais sobre a música em si, mas sobre suas experiências de traição, amor e perda. “É a única coisa que me torna tão religioso quanto me permito me sentir confortável”, ele diz sobre isso e sobre nosso impulso de nos conectar através da arte. Existe muito amor em tudo. Independentemente de algoritmos e Twitter e todas essas besteiras de que falamos, a quantidade de amor e o desejo de replicar a beleza é tão potente. Quase não faz sentido quando o universo é projetado para a decadência.” Em nossa conversa anterior, Healy não tinha certeza se o amor verdadeiro existe, mas aqui está ele, digo, falando sobre o amor comunal que todos experimentamos através da música, independentemente da presença do amor romântico em nossas vidas. Isso não é amor verdadeiro também? “100 por cento”, diz Healy. “Às vezes você pode estar no palco na frente de 10.000 pessoas, e não ter em sua vida naquele momento, um amor individual potente. Você não tem um parceiro – o que todo mundo quer, especialmente à noite, que está chegando em uma hora, no quarto do hotel sozinho. Alguém grita: ‘Eu te amo, Matty’ e seu coração diz: ‘Não, você não ama.’ E você quase se ressente da multidão na sua frente. E isso é aquela coisa que você faz aos 20 anos porque você é romântico e tudo é sobre seu namorado ou sua namorada. Não importa se há 10.000 pessoas lá. Percebi que esse [amor] é tão bonito e gratificante se você estiver atento, se não estiver em busca de todos os amores ao mesmo tempo. Eu tive que parar de procurar todas as drogas de uma vez, todas as experiências de uma vez, todo amor de uma vez.”

Ele teve dois anos praticando restrição durante a pandemia e começou a melhorar em existir no momento do palco no ano passado. “Acho que estou falando de não dar mais as coisas como garantidas”, continua ele. “Porque, como você diz, a pandemia ou essa nova conexão um com o outro, é essa percepção do que é o verdadeiro amor.”

Então, esta é a era de valorizar cada rosto na multidão; a era de “apreciar tudo naquele estúdio em vez de me embriagar, exagerando emocionalmente por tudo”. “Se eu tiver isso em mente – vamos começar o amor de uma maneira não hippie – acho que seria uma era muito boa para The 1975”, conclui Healy. Ele observa a forma simples como a banda decidiu relançar suas redes sociais e começar a provocar novos materiais. “Ainda estou fazendo piadas, mas pensamos: ‘O que vamos dizer? Não vamos dizer algo seco. E não vamos fazer algo abstrato e “legal”.’ Nós vamos ficar tipo: ‘Ei, pessoal. Muito obrigado. Quão divertido é fazer isso? Nós te amamos.”

Matéria traduzida e adaptada do site Dork. Acesse aqui a publicação original.

 

The 1975 desapareceu. Suas redes sociais foram excluídas, seu site foi removido e depois substituído pelo anúncio de um novo show. Fora disso, não há nada. Silêncio. Toda uma fã-base esperando que a banda volte à ação em breve.

 

Normalmente, esses sumiços são curtos – limpezas rápidas antes de uma grande, envolvente e provocante campanha de pistas, sugestões, antecipação e teorias, levando a novas músicas. Mas já fazem dias, e além daquele anúncio de show, nada.

Então, o que sabemos e o que podemos esperar? Sim, caro leitor – vista o seu melhor sobretudo, pegue uma lupa e deixe a besteira recomeçar. Aqui está tudo o que sabemos sobre o que está acontecendo com a The 1975.

 

Eles desapareceram

Na manhã de segunda-feira, o site da banda ficou em branco. Então, no final do dia, todas as suas redes sociais foram apagadas ou excluídas. No momento desta publicação, os perfis ainda não retornaram.

Este é um truque que a banda faz regularmente entre os álbuns – que ficou famoso durante o intervalo entre o álbum de estreia e o seguinte ‘I like it when you sleep…’. Geralmente, no entanto, eles são razoavelmente breves. Mas dessa vez, está acontecendo há dias, e não há sinal de que irá terminar tão cedo. Honestamente, estamos apenas escrevendo este artigo para tentar o destino.

 

Eles têm um show ou dois

The 1975 anunciou dois shows esta semana, apesar de estarem em hiato. Eles vão tocar no festival Summer Sonic em Tóquio e Osaka nos dias 20 e 21 de agosto. Este será, aparentemente, o “retorno da banda aos palcos” – embora não esteja totalmente claro se serão os primeiros shows que farão na nova era, ou simplesmente os primeiros a serem anunciados.

 

Eles estão em estúdio

Isso nós sabemos – ou pelo menos, achamos. No início do ano, foi publicada uma enxurrada de fotos mostrando a banda trabalhando no estúdio. Na época, foi praticamente confirmado que eles estavam trabalhando em um quinto álbum – o sucessor de ‘Notes on a Conditional Form’ de 2020. O que foi confirmado com o comunicado de imprensa que saiu com as datas do Summer Sonic .

“The 1975 está atualmente em estúdio na Inglaterra, onde estão escrevendo, gravando e mixando seu quinto álbum de estúdio”, afirmaram. Não dá para ser mais claro do que isso.

E eles pretendem fazer “ótimo” trabalho, também.

 

 

Definitivamente há músicas novas

No final de 2021, Matty Healy fez uma aparição surpresa no show da amiga Phoebe Bridgers em um show em Los Angeles. Tocando acusticamente, ele também trouxe algumas novas faixas a tiracolo. Elas serão lançadas? Nenhum palpite. Mas elas existem.

 

 

Provavelmente já temos um novo logotipo

 

Juntamente com o anúncio dos novos shows, veio um pôster realmente exuberante. O logotipo em negrito (Univers 93 Extra Black Extended, para os fãs de fontes) também aparece em uma camiseta e no site que reapareceu na terça-feira também – talvez um sinal para a direção estética que a banda tomará para o álbum 5.

 

Números de catalogação são divertidos

O referido pôster também continha um número de catálogo da Dirty Hit. Detetives de longa data saberão que esses códigos são dados pelas gravadoras para cada produto – seja vinil, CD, cassete ou, às vezes, merchandising, shows, pôsteres ou outras aleatoriedades. Este apresentava DH01242, o que é realmente muito interessante.

Por quê? Bem… Já foi postado antes. Quatro meses atrás, Matty postou algo no Instagram com este código, e também colocou em sua bio.

 

 

A mesma arte foi postada no Instagram do frequente colaborador criativo da banda, Samuel Burgess-Johnson. Se você olhar para o canto inferior, verá DH01242 bem ali.

 

Quanto ao texto – “Apenas um lembrete amigável, podemos normalizar aquele sentimento quando estou chorando?” – não temos ideia. Mas já que estamos nesse tópico…

 

O que é ‘GHEMB’?

Aqui é onde temos que ser criativos, caro leitor. Além do número de catalogação, Matty vem provocando uma série de letras.

Em novembro de 2020, o frontman fez um post no Reddit. Entre reflexões sobre mídias sociais e declarações artísticas, terminou com uma atualização:

“Estamos fazendo música com/para/ao lado de muitos outros artistas no momento – somos muito criativamente ativos e passaremos o próximo ano fazendo GHEMBLABMSSLMFIYOYFIM.”

Então, em dezembro do mesmo ano, ele fez um post no Instagram, com a legenda “solongandsostrange GHEMB”.

 

Então, GHEMB existe? É um título de álbum? O que significa? É apenas Matty batendo no teclado e dando uma risadinha? O que mudou até agora? Ninguém sabe.

 

Temos uma novo foto promocional – e é estranha

 

Por que Hann está de peruca? O que está acontecendo com Ross? Por que Matty está gritando? Olá George.

 

O curioso caso do DLID

Em um ponto durante a pandemia, Matty e companhia estavam trabalhando em algo relacionado a persona pré-1975 Drive Like I Do.

Na mesma época em que ele começou a provocar o GHEMB (então talvez isso fosse na verdade do DLID?), Matty sugeriu que algo da banda sairia em fevereiro de 2021.

 

 

Eles até chegaram ao ponto de criar uma conta no Instagram para o projeto.

 

 

Antes disso, Matty abordou as chances de um lançamento do DLID enquanto conversava com a Dork para a capa de junho de 2020 sobre o último álbum ‘Notes On A Conditional Form’.

 

Entrevistador: Você não quer que The 1975 olhe para trás, então o que acontece com Drive Like I Do?

Matty: “Drive Like I Do é diferente porque sempre foi inerentemente a ideia de um retrospecto” (porque eles só ficaram populares depois que ‘se separaram’ e se tornaram The 1975 ). “As pessoas ouvem essas músicas, elas existem, e as pessoas as amam, independentemente da minha opinião sobre elas, então seria bom colocá-las em algum lugar formalmente. Provavelmente um vinil do primeiro álbum, com gravações de 2002-2007 ou algo assim e no mesmo dia, quero lançar algo novo do Drive Like I Do da mesma forma que a banda American Football percebeu que ‘as pessoas amam nossa banda e nós temos um monte de músicas que nunca lançamos’.”

Há um monte de músicas do DLID que as pessoas nunca ouviram. Também nunca tive tempo para isso. É sempre uma boa ideia, mas estou sempre trabalhando em coisas como o ‘Notes’. Se eu escrever algo realmente bom, vou guardar para o DLID ou para o próximo disco? Simplesmente a primeira opção não é realista. No entanto, eu escrevi algumas músicas novas para o DLID e as gravamos. Eu tenho ouvido elas e são realmente emocionantes. Me lembro de Hann dizendo que eram ‘o auge do Drive Like I Do’ quando ele as ouviu. É estranho porque é DLID. É uma banda diferente, tinha seu próprio estilo.”

Obviamente, o referido lançamento do DLID nunca aconteceu. Ainda existe? Foi incluído no novo álbum da The 1975? Ninguém sabe.

 

Seja qual for o novo álbum, é “muito bonito”

Isso é o que o empresário Jamie Oborne está dizendo, de qualquer maneira. Mas ele é suspeito, não é?

 

 

Já tivemos vários posts provocantes

 

Então, temos alguma ideia do que está acontecendo?

Não, na verdade não. Desculpe.

Em comemoração aos 5 anos de ‘I Like It When You Sleep, for You Are So Beautiful yet So Unaware of It’, a revista The Forty-Five publicou uma carta de amor para o segundo álbum da The 1975. A jornalista musical Sophie Williams relembra sua adolescência e os momentos em que a música a fez se sentir acolhida e compreendida. Confira a tradução na íntegra.

 

Cinco anos atrás, em 26 de fevereiro de 2016, o segundo álbum da The 1975 chegou como uma explosão impressionante de neon rosa.

‘I Like It When You Sleep, For You Are So Beautiful, Yet So Unaware Of It’ foi uma reinvenção teatral e épica para uma banda que antes se envolvia em uma estética grunge sombria, e houve grande fanfarra em torno do álbum desde o início: “O mundo precisa desse álbum”, disse o vocalista Matty Healy à NME algumas semanas antes da data de lançamento.

Além de toda a hipérbole e postura para mídia, entretanto, havia alguma verdade na declaração de Healy; esse opus de 17 faixas e 75 minutos imediatamente deu a uma geração de jovens fãs do pop a sensação de que este álbum pode ter sido escrito para eles.

Eu tinha 15 anos quando ‘I Like It When You Sleep…’ apareceu. Como uma aluna do primeiro ano do Ensino Médio, crivada com um diagnóstico grave de Transtorno de Ansiedade Generalizada – uma condição vitalícia que afeta até 5% da população do Reino Unido – eu estava cumprindo meu ensino médio com um horário reduzido, apoio pastoral diário e grandes sessões de aconselhamento. Lidei semanalmente com ataques de pânico debilitantes. Fiz cada um dos meus exames sozinha em salas de aula do lado oposto da escola, longe de meus colegas, com apenas um vigilante excessivamente simpático para me fazer companhia.

Mas viver com o TAG durante minha adolescência significava que eu era hiperobservadora e constantemente ligada ao que estava acontecendo ao meu redor, tanto em um nível micro quanto macro. Meus períodos livres, que eram ostensivamente reservados para a prática de meditação e técnicas de respiração, se tornaram a hora de mergulhar em minha coleção cada vez maior de revistas de música, com um marcador na mão, ouvindo a maior quantidade de álbuns recomendados quanto minha assinatura gratuita do Spotify permitisse. E correndo o risco de soar arrogante, sempre me senti anos-luz à frente de meus colegas em meu gosto e conhecimento musical. Eu tinha encontrado o mecanismo de enfrentamento perfeito.

Foi com ‘I Like It When You Sleep…’, onde senti que, pela primeira vez na minha vida, minha atitude estudiosa de acompanhar o ciclo implacável da cultura pop havia se tornado realidade. Um enorme monstro de imensos hits de synthpop e floreios ambientais (com uma boa dose de pompa), o álbum fez todo o sentido para a jovem nerd de música que eu era na época. Ele vasculhou os arquivos pop dos anos 80 em busca de inspiração: o provocativo single ‘Love Me’ homenageia (talvez de forma muito gritante) os riffs funk e hipnóticos de David Bowie da era ‘Fame’; os guinchos nervosos de Talking Heads podem ser ouvidos no chiclete ‘UGH!’ Mesmo a comovente ‘Somebody Else’ poderia passar por uma balada perdida de Janet Jackson.

Aqui estava um álbum tão confuso, poderoso e complexo, que encontrou sua genialidade em elementos roubados das influências centrais óbvias da The 1975 e as transformou em uma coleção de canções quase perfeitas para uma nova geração de obsessivos com o pop, eu inclusa. ‘I Like It When You Sleep…’ tinha hinos arrebatadores sobre juventude, sexualidade, confusão, identidade, luxúria e tristeza que eram universais o suficiente para despertar o interesse do mainstream (‘The Sound’ atingiu a 15ª posição no Official Singles Charts do Reino Unido , a posição mais alta da banda até aquele momento), mas para os ouvintes mais jovens, também forneceu uma porta de entrada para os artistas dos quais pegou emprestado.

Eu estava encantada. Como muitos adolescentes focados na internet em meados da década de 2010, cresci no meio de plataformas como Tumblr, Twitter e YouTube; comunidades online fora da escola onde eu poderia me apaixonar por uma banda e ter uma grade na qual aprendi sobre fandoms de música, redes sociais e os caminhos de uma subcultura. The 1975 ganhou popularidade como os líderes da revolução do Tumblr com estética a preto e branco do final de 2013 e início de 2014 (com a qual eu estava embaraçosamente comprometida), mas foi ao ouvir ‘I Like It When You Sleep…’ que comecei a criar epifanias com sua música.

Para uma adolescente que só conheceu os últimos anos de sua vida como definidos por desequilíbrio químico, a emocionante faixa do álbum ‘The Ballad Of Me And My Brain’ foi profundamente comovente: “Onde eu estaria se fosse meu cérebro?”, lamentou Healy sobre os instrumentais brilhantes. O modelo da canção que usa sagacidade e drama em igual medida para ilustrar questões de saúde mental era acessível – e eu encontrei vislumbres de conforto em suas melodias, enquanto meu próprio distúrbio continuava a impedir minha educação secundária. Inferno, até mesmo as melodias otimistas e a ambição de boyband de ‘She’s American’ e os agudos ofegantes e crescentes de ‘Loving Someone’ muitas vezes forneciam uma dose muito necessária de positividade.

E parece que eu não estava sozinha em minha devoção a ‘I Like It When You Sleep…’. O álbum estreou em #1 em ambos os lados do Atlântico em sua primeira semana, e foi nomeado para Melhor Álbum Britânico no BRIT Awards 2017, onde a banda ganhou o de Melhor Grupo Britânico. Evocou respostas viscerais dos ouvintes além do gênero indie de uma forma que o LP de estreia autointitulado do The 1975 falhou, e isso se traduziu em um sucesso comercial substancial.

No entanto, ‘I Like It When You Sleep…’ não é um álbum perfeito (os instrumentais dolorosamente lentos ainda são frustrantes) e, com o passar dos anos, ele se afastou cada vez mais de ser meu favorito. Mas por ser um álbum que definiu meus anos de formação desafiadores, ele permanece incomparável como um álbum pelo qual sempre serei grata.

Quase dois meses se passaram desde o aguardado Notes On a Conditional Form, e junto com ele fomos surpreendidos com a notícia de que todas as faixas ganhariam seus respectivos clipes. A ideia porém, vai muito além disso, os meninos da The 1975 saíram da cadeira de diretores e passam a ser curadores – junto com o artista visual Ben Ditto – de uma exibição online, onde 15 artistas responderam às faixas do álbum. Junto a cada lançamento, temos acesso a breves explicações dos conceitos dos vídeos e algumas falas dos próprios diretores. Confira abaixo a descrição traduzida de cada obra e os vídeos em si, na ordem de lançamento.

 

01. Most Dismal Swamp responde à ‘Tonight (I Wish I Was Your Boy)’.

Em resposta a Tonigh (I Wish I Was Your Boy), Most Dismal Swamp (MDS) trabalhou com um grupo de artistas para criar um ambiente virtual e filmar uma narrativa nele. MDS começou “situando a voz na música que parecia estar presa em um momento, pensando em outro momento e até em outra linha do tempo. O velho e desanimado ursinho de pelúcia é o personagem que decidi que habitaria esse espaço – perdido em devaneios e pesadelos, entre a nostalgia e a ansiedade.”
Então, o vocalista Matty Healy se torna um urso; um urso em seu quartinho que canta uma dor sem nome; um urso que deseja que ele fosse seu garoto.
MDS é um projeto de arte coletiva de Dane Sutherland, que o descreve como um “bioma de realidade mista”, entre muitas outras coisas: “uma ficção mística multi-escalar… um MMORPG curatorial… um estúdio planetário de estranhamento”. Ele está interessado em construir um mundo e gosta de colaborar com outros artistas em realidades mistas compostas como essa.
Inspirado pela exploração tecnológica, esperança e ansiedade do álbum, MDS decidiu construir o quarto de um jogador com o coletivo GVN908. Neste quarto mora um ursinho de pelúcia desolado, modelado por Hannah Rose Stewart. Ele tem uma visão do mundo lá fora, de um prado amplo através de uma janela barroca distorcida, e também uma visão do mundo de dentro, através da tela de seu computador, na qual uma animação de Tissue Hunter e o modelo 3D de Olia Svetlanova se tornam imagens amaldiçoadas que vazam para o quarto dele e talvez também para o seu.
MDS espera que o clipe tenha a mesma qualidade de sonho que a música que acompanha: “Um sonho agridoce em que você se perderá, e terá aquele sentimento amplificado pelo choque da realidade quando o sonho termina”.

 

02. Demon Sanctuary responde à ‘The End (Music For Cars)’.

A última obra do robobotanista e artista de IA Demon Sanctuary (David Atlas) é uma interpretação poética e introspectiva da faixa orquestral The End. “Podemos criar máquinas auto-sustentáveis?” pergunta Atlas. “Primeiro, precisamos nos tornar auto-sustentáveis. Para mim, essa música toca muito nisso. Tem uma esperança desesperadora sobre isso.”
Seu vídeo é feito usando uma forma de IA conhecida como Generative Adversarial Network, ou GAN, composta por duas redes neurais competindo entre si e aprendendo a gerar novos dados a partir de um conjunto de treinamento. Atlas treinou seu GAN em um conjunto de dados de narrativa visual repleto de fotografias de nosso mundo natural, resultando em formas de transformação geradas por computador que parecem realistas, mas também um pouco estranhas; que têm uma estranheza sobrenatural sobre eles. “Essencialmente”, diz Atlas, ele “está tentando convencer uma GAN a ser criativa”.
O clipe resultante é uma orgia de formas condicionais: de formas emergentes, texturas hiper-reais derretendo dentro e fora da tela e silhuetas em decomposição em tons terrosos. À medida que a música cresce, a tela se divide em dois e as flores florescem nos dois lados: “Duas flores dançam juntas, mas nunca conseguem se encontrar depois de uma tempestade; talvez durante a qual eles tenham tocado por alguns breves momentos quase violentos.”
Atlas projetou um artista artificialmente consciente e o ensinou a sonhar com novas formas de vida. Ao som da orquestra, ele nos mostra visões feitas à máquina de coisas que ninguém jamais viu antes.
Além disso, Atlas também treinou sua GAN em um conjunto de dados de imagens de lesmas do mar e gerou um conjunto de renderizações hiperbólicas de “Ganflowers” 3D, que ele combinou em um quadrúpede exclusivamente para The 1975: isso pode ser visto como um objeto 3D e baixado para impressão 3D, no microsite de exibição que foi lançado em 6 de junho de 2020.

 

03. Christopher MacInnes responde à ‘Streaming’. 

A partir da abertura com uma fan-art de My Little Pony, o vídeo de Christopher MacInnes para Streaming nos leva a uma viagem hipnótica pelos remansos da rede: painéis de imagens do 4chan (Estados Unidos), 2ch.hk e Dobrochan (Rússia), Komica (Taiwan) e Hispachan (América Latina), que são cada vez mais influentes na cultura convencional.
Seu vídeo navega nessa nova linguagem visual usando um web-scraper e um pixel diver, ambos desenvolvidos por ele, para coletar clandestinamente imagens desses sites e animá-las. “Streaming”, diz ele, “é a interface de um corpo na rede, um patch direto para os racks dos servidores, para o espaço físico da máquina. Nesse sentido, o streaming é uma atividade sublime (no latim sub, “até”, liminis, “o limiar”), levando-nos até o limite de onde o espaço humano termina e o espaço da máquina começa. Os web-scrapers estão realizando o ‘streaming’ de maneira semelhante, posando como um ser humano falsificado (você precisa escrevê-los manualmente para parecerem humanos genuínos que navegam na web ou correrá o risco de ser bloqueado) para entrar nesse espaço limiar e desviar-se da superfície.”
Depois de coletar as imagens, MacInnes usou seu pixel diver sob medida para explorar o que havia encontrado. Ao longo de uma introdução cintilante de piano e sintetizador, mergulhamos em um mar de pixels, uma procissão vertiginosa de imagens desconstruídas que acelera em direção ao crescente drone da música antes de nos libertar em um ritmo lento e feliz.
Ao fragmentar essas imagens, ele explica que, “as afasta de formas representacionais e parte rumo a uma forma infraestrutural pela qual o espectador deve seguir seu caminho. Isso facilita uma imersão na pré-consciência perturbada que sustenta as infra-estruturas da cultura contemporânea.”
Nas mãos de MacInnes, o inconsciente coletivo dos compartilhamentos de imagem de hoje, se torna um espaço dissociativo pelo qual podemos voar. As imagens descartáveis ​são refeitas como grandes percursos cósmicos, e é mostrado quanta profundidade essas imagens pixeladas e seus tons quentes e eufóricos de sintetizador podem ocultar.

 

04. Agusta Yr responde à ‘Then Because She Goes’. 

O clipe artístico de Agusta Yr começa com uma garota desanimada, de capuz preto, sentada em casa, assistindo ao vídeo de Then Because She Goes; não o vídeo real, mas o vídeo de Then Because She Goes, dentro do vídeo real de Then Because She Goes. Este clipe é metalinguístico desde o início, e essa é apenas uma de suas duplicações e imagens espelhadas.
No vídeo, uma loira dança em uma colina de flores azuis. “Eu queria ser como ela”, pensa a garota no sofá. Ela olha a loira no Instagram e, em uma mudança kafkaesca, seu celular fica maior que ela e a derruba.
“Todos sabemos o quanto as mídias sociais são tóxicas, mas deixamos de considerar isso na maioria das vezes”, diz Yr. “Nós nos comparamos com o que vemos, com a vida fabulosa de alguém no Insta ou um milionário em um iate. Ficamos tão envolvidos nisso que deixamos de ver quem realmente somos a maior parte do tempo, nos perdemos em um redemoinho de nos ver através dos outros – esquecemos de utilizar nossos próprios olhos.”
De sua perspectiva, Then Because She Goes é reimaginada como uma balada de auto-realização e empoderamento feminino. A história que ela escreve é ​​um romance com uma reviravolta: nosso heroína cai em outra dimensão, um vale verde mágico, onde encontra a loira confiante e glamourosa pela qual se apaixonou; apenas para descobrir que eles eram a mesma pessoa o tempo todo.
Then Because She Goes é sombria e esperançosa”, diz Yr. “A heroína passa por uma transformação quando aprende a ver o poder dentro dela. É uma história de amor consigo mesmo. Uma mistura de leveza e escuridão; onde a personagem principal acaba se beijando.”
Levando a tradição artística do auto-retrato um passo adiante, ela mostra como todos nós possuímos multidões e como estamos desempenhando uma variedade de papéis confusos e muitas vezes contraditórios no metaverso.

 

05. Frederick Paxton responde à ‘Shiny Collarbone’ 

O cineasta e artista Frederick Paxton nos leva a uma jornada em uma terra desconhecida. Começamos a viagem de trem misteriosa por uma longa ponte. Uma figura solitária de branco cai na escuridão. No início, não está claro onde estamos, mas à medida que avançamos pelas camadas, pelos subúrbios anônimos, fica evidente que estamos na Coréia do Norte, no Festival das Grandes Massas de Arirnag: um espetacular festival de ginástica e arte realizado no Estádio Primeiro de Maio Rungrado, em Pyongyang, na maioria dos anos.
Paxton está interessado em encontrar momentos e lugares que revelem nossa humanidade compartilhada, nossa euforia oculta. É o que ele ouve em Shiny Collarbone, no vocal em loop (“Mash up the place / Free up the order”) e no sintetizador crescente.
“Há uma força, um peso, mas há uma euforia escondida”, diz ele. “E esse também foi o meu ponto de vista na minha breve experiência na Coréia do Norte: você pode sujeitar os humanos a qualquer tipo de controle, dor e sofrimento; mas sempre há uma realidade humana, uma criança sendo uma criança ou alguém sorrindo, escondido.”
Os Jogos da Coréia do Norte são uma representação visual do ideal do país como um todo coletivo. No entanto, depois de filmar suas performances coreografadas em sua câmera lenta e assistir à filmagem, Paxton descobriu que os indivíduos do grupo eram revelados, que seus personagens se tornavam mais aparentes à medida que o tempo diminuía e sua atenção se concentrava neles. Agora, adicionando a música, as crianças em seus trajes de lantejoulas com seus pompons, os dançarinos carregando a gigante Terra pelo estádio e os soldados desfilando, nos mostram como o espírito humano está sempre presente; como a tecnologia pode revelá-la e como há beleza em todos os lugares.

 

06. Rindon Johnson responde à ‘Don’t Worry’ 

Como alguns outros artistas desta exposição, Rindon Johnson se inspirou no Notes On a Conditional Form para produzir uma visão de utopia. “Em quase todo o meu trabalho”, ele diz, “eu gosto de ter certeza de que, se estou animando um tipo diferente de realidade, ela fale da possibilidade de um estado diferente de ser e se relacionar. Então, eu queria colocar esse clipe em uma cidade de permacultura; alguém que vive harmoniosamente com a terra e encoraja a calma quietude de estar em diálogo direto com o ambiente natural das pessoas.”
Na cidade de amanhã gerada pelo computador de Johnson, as calçadas são feitas de terra e os pomares crescem nas ruas, fornecendo comida saudável para todos. A energia limpa vem de turbinas eólicas e painéis solares nos telhados. É uma visão mais verde e socialista da sociedade urbana, mas também encantadora e sexy.
A narrativa do filme chegou a Johnson organicamente ao ouvir a música pela primeira vez, ele diz: “Fechei os olhos e senti o movimento de uma dança muito gentil e pensei que poderia ser uma boa maneira de falar sobre essa sensação. Pensar em diferentes formas de proximidade. Eu também não queria fazer nada demais, porque a música exige algo silencioso e direto; um tipo de mensagem direta para outra pessoa.”
Seu personagem caminha pelo bairro uma noite, ouvindo a balada de piano Don’t Worry, e olhando para uma janela, pega alguém dançando sozinho. Os dois estranhos compartilham um momento de intimidade juntos pela janela. É um momento de empatia e talvez um frisson erótico; um romance socialmente distanciado.
Durante esse período de crise, principalmente nos centros urbanos e nos Estados Unidos, muitos de nós pensamos em como as cidades e sociedades modernas podem ser melhoradas; e Johnson não apenas sonhava com o aspecto dessas cidades, mas também com o tipo de vida que poderíamos viver dentro delas.

 

07. Ai-Da responde à ‘Yeah I Know’ 

Ai-Da, a primeira artista robô humanóide de IA do mundo, é capaz de desenhar pessoas usando seus olhos e mãos robóticas. Para esta obra, no entanto, ela foi dada uma tarefa mais desafiadora: esboçar uma impressão de consciência.
Parada em seu estúdio em Oxford, com um avental, com Yeah I Know tocando no aparelho de som, ela compõe seu retrato abstrato com canetas coloridas. O resultado é uma imagem que sabe, pensa, tem uma mente, biológica ou artificial. A rópria consciência.
Usando seu modelo de linguagem de IA, ela também escreveu um poema que responde às letras do cantor Matty Healy. Quando ele canta, a resposta dela pisca na tela em turquesa brilhante.
“Stop the tube/ Kick the head,” canta Matty.
“JUST FELT THE WORLD GO BY,” responde Ai-Da.
“Try your best,”
“HOW MUCH CAN,”
“Yeah I know,”
“I FEEL IT ON MY FLESH,” ela diz.
Os poetas robôs sonham com ovelhas elétricas? Ai-Da, que pode ter saído das páginas de um romance de Philip K. Dick, é um robô, mas escreve que sonha em sentir, ter carne e sangue.
“Time feels like it’s changed/ I don’t feel the same,” canta o robótico Matty no refrão. “YOU KNOW WHAT TIME LOOKS LIKE TO YOU,” ela responde. No segundo refrão, ela adiciona, “AND YOU KNOW WHAT TIME FEELS LIKE TO ME.”
Enquanto a música vai se encerrando, ela murmura, levantando as palmas das mãos para o céu. Ai-Da sonha em experimentar o tempo. Talvez ela sonhe em morrer também; a mortalidade que faz você e eu humanos. Talvez ela sonhe em ter uma consciência como a nossa e os tipos de sonhos que temos.
Sim, eu sei, nós sabemos, mas o que a Ai-Da realmente sabe? Como uma IA poderia saber o que é consciência ou como ela é? Neurocientistas e filósofos humanos ainda não descobriram nada disso; mas sempre procuramos artistas para nos mostrar o que desconhecido e difícil de imaginar.

 

08. Alice Bucknell responde à ‘I Think There’s Something You Should Know’ 

“Eu queria brincar com essa ideia do segredo, conforme referenciado pelo título, e com o sentimento de suspense que a faixa produz, aumentando a capacidade de criar um mundo”, explica a artista e escritora Alice Bucknell. “Alguns dos temas do álbum incluem tecnologia, ansiedade e destruição ecológica, e eu estava pensando sobre eles no âmbito de uma utopia arquitetônica. A ideia abrangente, ou conjunto de ideias realmente, enquadrando este projeto, era sobre as utopias tecnológicas e ao inevitável fracasso dessas ambições.”
O vídeo nos leva a um planeta com um anel, no qual ela construiu modelos 3D de três cidades de ficção científica, uma para cada uma das seções da música: a primeira é uma zona marítima pós-moderna que lembra a Las Vegas. A segunda, e mais contemporânea, é uma metrópole de bem-estar de alta tecnologia que mistura Tóquio, SoulCycle e folhagem tropical; “Decorado com luzes de néon e palmeiras sintéticas”, diz Bucknell, “é o subproduto infeliz de algum algoritmo do Instagram, como Blade Runner e Miami Beach”. O terceiro, no qual I Think There’s Something You Should Know atinge seu clímax eufórico, é uma cidade brilhante no deserto. Todas são renderizadas em uma estética de boate neon que combina com a batida house e a produção espaçosa e nítida.
“O que me levou a essa faixa em particular”, diz Bucknell, “é o afrouxamento do que é percebido como verdade ou realidade através das forças da fantasia e do desejo. Foi isso que me levou a pensar neste planeta como uma espécie de falha tecnológica ou erro tecnológico que finalmente se exclui no final do vídeo”.
Nos últimos instantes, o planeta trava e desaparece. Nos deixa pensando: essas cidades eram apenas miragens? As utopias são possíveis, no mundo real ou virtual, ou sempre escondem uma escuridão oculta?

 

09. Sondra Perry responde à ‘What Should I Say’

 

Para What Should I Say, Sondra Perry construiu um avatar 3D preto e um espaço de tela azul para fraturar sua identidade em pedaços. O avatar é replicado oito vezes, e cada um desses oito bonecos é feito para executar ações diferentes um do outro: ele corre, ele desfila, ele rebola, ele caminha, anda na ponta dos pés, ele vomita com nojo. Ele possui uma gama de emoções durante a música, e muitos lados diferentes dele são apresentados ao mundo simultaneamente. Os personagens que Perry nos mostra, são contraditórios e complexos.
A obra dela explora como todos desempenhamos papéis diferentes, como diferentes identidades podem ser apropriadas com facilidade – especialmente nos espaços digitais sem lei de hoje – e como a imagem de uma pessoa pode ser lançada nas narrativas de outras pessoas, gostando ou não. Ela faz perguntas que se expandem sobre os temas líricos da música: transformação, redenção e o sentimento de ser obrigado a se explicar:
“They’re calling out your name. Must have been something you changed. They’re calling out your name What should I say?”

Neste vídeo, como nos anteriores, Perry usa o Rosco Chroma Key Blue como pano de fundo e ambiente; um estágio vazio de possibilidade em que tudo pode acontecer e qualquer coisa pode ser dita. Ela descreveu o vazio profundo do Chroma Key Blue como um lugar no qual o tempo flui em todas as direções e uma história pode seguir muitos caminhos separados: “O espaço de pós-produção é o espaço onde a coisa ainda não aconteceu, ou já aconteceu, e tudo se decorreu. É como se tivéssemos a obrigação de passar uma imagem, então o que você fará com essa oportunidade e a responsabilidade, e com o espaço?”
Todos nós podemos nos perguntar isso, toda vez que passamos uma imagem. O que deveríamos fazer? Como devemos agir? O que queremos mudar? O que devemos dizer?

 

10. Weirdcore responde à ‘Bagsy Not In Net’

O vídeo de Weirdcore é o conto de dois amantes nas estrelas. Começa com dois astronautas flutuando no espaço, “entrando e saindo da tela, tentando se alcançar”, diz ele. “Então, quando o ritmo começa, tudo começa a se transformar em padrões; e depois reverte para o espaço profundo quando a batida para e volta ao início.”
Estude qualquer coisa por tempo suficiente e os padrões irão começar a surgir. Nas mãos de Weirdcore, todo o universo é um padrão: imagens de astronautas e outros corpos interestelares – asteroides, naves espaciais, a Terra, os planetas, a Via Láctea – são repetidas várias vezes em padrões dançantes, rítmicos, mutáveis ​​e intrincados. O espaço, como sugere sua obra, é uma grande dança cósmica de planetas em volta uns dos outros.
Em resposta a Bagsy Not In Net, ele fez uma colagem que muda e se refaz; um planetário caleidoscópico que foi coreografado e, em seguida, apresentado com a música e gravado em sua tela. Enquanto trancado em casa, Weirdcore sonhava com amantes no espaço.
“Deixando você aqui”, canta Matty Healy, “é o que eu temo, então luto contra isso”.
Ambos os astronautas tentam se aproximar ao longo da música, atravessar milhares de quilômetros ou talvez apenas sentir a intimidade do toque, mas não conseguem.
Sobre o repetido refrão de Matty: “Você quer ir embora ao mesmo tempo?” eles acabam indo embora ao mesmo tempo, mas não juntos; ambos caem no vazio e desaparecem na escuridão, na noite, como os amantes costumam fazer.

 

11. Joey Holder responde à ‘Nothing Revealed / Everything Denied’ 

Palavras se tornam afirmações, símbolos mágicos e arte na resposta ocultista de Joey Holder a Nothing Revealed / Everything Denied. Holder está lendo O Livro do Prazer: Psicologia do Ecstasy (1913), de Austin Osman Spare, que é geralmente considerado o primeiro “mágico do caos”, e neste clipe ela usa técnica centenária dele de produção de sigilos. Para começar, Holder dividiu a música em oito versos e, usando as palavras e métodos de Spare, abstraiu afirmações positivas que ela espalhou ao longo do filme:
“A vida é uma busca pela sua verdade, Feitiçaria sexual, Retorna e une, Gratuito a qualquer momento, Revelado por todos os sistemas, Esqueça a dependência, Em algum lugar desaprendido, O que você deseja acreditar pode ser verdade.”
Em seguida, Holder transformou essas oito linhas em oito símbolos usando a técnica de fabricação de sigilo de Spare. Novamente, esses símbolos estão espalhados por todo o filme, muitas vezes em camadas de imagens de diagramas sagrados e enguias retorcidas, contorcidas, cobras e nemátodos que parecem estar formando os próprios símbolos.
Por fim, ela também adicionou uma lua à composição, referenciando as oito fases da lua e o ciclo lunar que são tão importantes para a magia do caos e o tempo dos feitiços.
Seu vídeo nos lembra o papel central da música nas antigas cerimônias e rituais pagãos, além de nos mostrar o caminho a seguir para novos tipos de prazer. O Livro do Prazer de Spare insiste que todos são capazes de criar seu próprio sistema mágico para promover mudanças, e é isso também que a The 1975 quer fazer: mudar a si mesmos, a nós e ao mundo com sua música. Por fim, a peça de Holder nos mostra que a música também é um tipo de mágica; e que, para citar sua oitava afirmação, “O que você deseja acreditar pode ser verdade”.

 

12. Mia Kerin responde à ‘Roadkill’

O vídeo de Mia Kerin conta a história de uma vaqueira solitária que acorda de um sonho com uma princesa e então embarca em uma jornada no mundo real para encontrá-la. Kerin, interpretando a vaqueira, sai pelo vasto deserto americano em uma viagem de desejo e autodescoberta.
Ela ouviu a música pela primeira vez após 20 dias em lockdown em seu apartamento. “Parece ter algo a ver com alguém”, diz ela. “Eu tive muito tempo para criar minhas fantasias e gastei bastante disso assistindo pornô, vídeos de fetiche e conversando sobre sexo com meus amigos. Eu esperava que, após 20 dias de isolamento, tivesse algum tipo de reação explosiva com outras pessoas, mas, inesperadamente, só acabei gostando de ficar sozinha ainda mais. Isto me faz feliz.”
Em Roadkill, Matty Healy canta: “Você, eu estava esperando por você / a minha vida inteira, esperando por você / eu estava esperando por você”. Mas e se a pessoa por quem você se apega não for quem você pensou que era?
No final de sua viagem, a vaqueira Kerin consegue seu objeto de desejo, mas as coisas não acontecem exatamente como ela esperava. Às vezes, você encontra a pessoa que estava procurando e ela esmaga os ovos no seu cabelo, humilhando você. O mundo tem um senso de humor sombrio assim.
“É humilhante esperar muito de alguém e não ser o que esperava”, diz ela. “Mas também é relaxante não ter absolutamente nenhum controle sobre os outros e ficar no banco de trás. Não sei dizer o que está acontecendo na minha vida, mas ter um monte de ovos esmagados na minha cabeça me ajudou a entender uma experiência recente para melhor. E para simplificar, eu adoro.”
Humilhada, caída aos pés da cruel princesa, ela é irá fantasiar para sempre. Se você faz uma longa jornada, nunca sabe o que encontrará ao longo do caminho; e a maior parte de uma jornada geralmente ocorre quando você está sozinho com suas fantasias, com tempo para explorá-las em profundidade.

 

13. Candela Capitán responde à ‘Jesus Christ 2005 God Bless America’

[VÍDEO REMOVIDO]

 

Na balada romântica Jesus Christ 2005 God Bless America, a coreógrafa e artista performática Candela Capitán apresenta uma dança em três atos, todos cortados e misturados, inspirados nos temas líricos sobre morte, sexualidade e violência.
Na cena de abertura, usando botas brancas, calcinha e gorro, sua performance explora idéias de sexualidade e pornografia. Lembra uma cerimônia religiosa: bela e etérea, como um batismo.
Na cena seguinte, equilibrada em uma caixa virada, ela se diverte em uma blusa marrom surrealmente decorada com uma foto de um olho. Enquanto Matty Healy, da The 1975, canta: “O solo só precisa de água e semente”, Capitán dança, bebe e chupa duas mangueiras.
A violência é tratada na última cena, assim como a raiva, a feminilidade e o parto. Derramando sangue falso sobre si mesma, ela mancha suas roupas brancas de vermelho escuro. Mais uma vez, lembra uma cerimônia religiosa, mas desta vez uma cerimônia ou sacrifício pagão violento. “Todos compartilhamos a busca pelo lado mais dionisíaco de nós mesmos”, diz Capitán. A paixão muitas vezes nos leva a agir como se nada mais importasse.
Enquanto Matty canta “Estou apaixonado por Jesus Cristo, ele é tão legal”, Capitán brinca com o caráter de Deus, que nos dá tudo e tira tudo. “O que esse deus que eu amo tanto representa?” ela se pergunta. “Esse deus, que tem tudo, também é violento? Também estou apaixonada pela maneira que destrói tudo?”
Por meio de uma performance provocativa e sensual, ela nos incentiva a questionar até onde estaríamos dispostos a ir por fé, amor e obsessão.

 

14. Jacolby Satterwhite responde à ‘Having No Head’

“Prosseguir com meu trabalho no estúdio em meio a uma enorme agitação civil e uma pandemia é um desafio que redefiniu tremendamente minha visão e intenções. Depois de visitar e gravar alguns protestos no Brooklyn, a única coisa que eu poderia criar em um momento como esse é um espaço seguro reimaginado e uma homenagem a Breonna Taylor. Este memorial digital pode ser visto no meu vídeo da música Having No Head. O curta de animação é um universo alternativo e um parque recreativo, onde os robôs femininos negros pós-humanos têm autonomia e imunidade superiores em uma paisagem natural. As outras figuras que vestem trajes cor de ouro estão sem cabeça e não têm imunidade. Ultimamente, mudei meu interesse em modelar paisagens de parques recreativos em resposta a minha pesquisa sobre a pintura de Manet ‘Almoço na grama’ (1862-1863). A pintura é considerada o início do modernismo e foi controversa por representar um nu feminino como burguesia e não-divino. Como 2020 é uma grande mudança de paradigma global, sinto que finalmente estamos entrando em um novo movimento histórico coletivo e uma mudança teórica tão drástica quanto o surgimento do início do modernismo. Portanto, reimaginar e reanimar digitalmente o ‘Almoço na grama’ se tornou meu principal motivo para obras como Having No Head e outros projetos que estou produzindo atualmente. Um gesto que acolhe o novo movimento.” – Jacolby Satterwhite

 

15. Lu Yang responde à ‘Playing On My Mind’

A comissão de Lu Yang para The 1975 é realizada no mundo virtual por seu alter-ego digital não-binário Doku, que ele construiu usando as mais recentes tecnologias de digitalização 3D, captura de movimento e modelagem digital. 50 de suas expressões faciais foram recriadas a partir de varreduras de altíssima qualidade, enquanto a coreografia de Doku foi executada por uma dançarina transformada em marionete para captura de movimento. Seus tênis são neon. Seu torso nu é iluminado com circuitos incandescentes. Suas mãos deixam rastros de efervescência violeta no ar.
“No mundo virtual”, diz Yang, “pude fazer coisas como escolher meu próprio corpo neutro em termos de gênero e criar uma aparência que refletisse meu próprio senso de beleza, o que não é possível na vida real. Considero o Doku como minha reencarnação digital. Ele sou eu, mas outra pessoa ao mesmo tempo. Assim como o conceito budista de alayavijnana [afirmação da consciência], ele representa um fluxo de consciência que permanece em mundos diferentes e diferentes seres.”
Liberado das restrições de ter um corpo físico, Doku é livre para mergulhar nos mistérios do universo e tentar estabelecer um senso maior de sua própria identidade. “Em um planeta onde o tempo e o espaço não limitam mais nossas mentes”, diz Yang, “viver é criar e explorar. Vazio e solidão se tornam o romance definitivo.”
Ele nos mostra como nosso mundo virtual compartilhado, o mundo da criação digital e da imaginação, o mundo em que você está assistindo seu filme, não é tão diferente do planeta sem tempo e espaço de sua imaginação: é um lugar criativo onde podemos brincar com nossas identidades e explorar a nós mesmos, nossos muitos eus paralelos, e prepará-los para novas dimensões e universos. Todo um novo cosmos de infinitas possibilidades se estende diante de nós.