Quase dois meses se passaram desde o aguardado Notes On a Conditional Form, e junto com ele fomos surpreendidos com a notícia de que todas as faixas ganhariam seus respectivos clipes. A ideia porém, vai muito além disso, os meninos da The 1975 saíram da cadeira de diretores e passam a ser curadores – junto com o artista visual Ben Ditto – de uma exibição online, onde 15 artistas responderam às faixas do álbum. Junto a cada lançamento, temos acesso a breves explicações dos conceitos dos vídeos e algumas falas dos próprios diretores. Confira abaixo a descrição traduzida de cada obra e os vídeos em si, na ordem de lançamento.

 

01. Most Dismal Swamp responde à ‘Tonight (I Wish I Was Your Boy)’.

Em resposta a Tonigh (I Wish I Was Your Boy), Most Dismal Swamp (MDS) trabalhou com um grupo de artistas para criar um ambiente virtual e filmar uma narrativa nele. MDS começou “situando a voz na música que parecia estar presa em um momento, pensando em outro momento e até em outra linha do tempo. O velho e desanimado ursinho de pelúcia é o personagem que decidi que habitaria esse espaço – perdido em devaneios e pesadelos, entre a nostalgia e a ansiedade.”
Então, o vocalista Matty Healy se torna um urso; um urso em seu quartinho que canta uma dor sem nome; um urso que deseja que ele fosse seu garoto.
MDS é um projeto de arte coletiva de Dane Sutherland, que o descreve como um “bioma de realidade mista”, entre muitas outras coisas: “uma ficção mística multi-escalar… um MMORPG curatorial… um estúdio planetário de estranhamento”. Ele está interessado em construir um mundo e gosta de colaborar com outros artistas em realidades mistas compostas como essa.
Inspirado pela exploração tecnológica, esperança e ansiedade do álbum, MDS decidiu construir o quarto de um jogador com o coletivo GVN908. Neste quarto mora um ursinho de pelúcia desolado, modelado por Hannah Rose Stewart. Ele tem uma visão do mundo lá fora, de um prado amplo através de uma janela barroca distorcida, e também uma visão do mundo de dentro, através da tela de seu computador, na qual uma animação de Tissue Hunter e o modelo 3D de Olia Svetlanova se tornam imagens amaldiçoadas que vazam para o quarto dele e talvez também para o seu.
MDS espera que o clipe tenha a mesma qualidade de sonho que a música que acompanha: “Um sonho agridoce em que você se perderá, e terá aquele sentimento amplificado pelo choque da realidade quando o sonho termina”.

 

02. Demon Sanctuary responde à ‘The End (Music For Cars)’.

A última obra do robobotanista e artista de IA Demon Sanctuary (David Atlas) é uma interpretação poética e introspectiva da faixa orquestral The End. “Podemos criar máquinas auto-sustentáveis?” pergunta Atlas. “Primeiro, precisamos nos tornar auto-sustentáveis. Para mim, essa música toca muito nisso. Tem uma esperança desesperadora sobre isso.”
Seu vídeo é feito usando uma forma de IA conhecida como Generative Adversarial Network, ou GAN, composta por duas redes neurais competindo entre si e aprendendo a gerar novos dados a partir de um conjunto de treinamento. Atlas treinou seu GAN em um conjunto de dados de narrativa visual repleto de fotografias de nosso mundo natural, resultando em formas de transformação geradas por computador que parecem realistas, mas também um pouco estranhas; que têm uma estranheza sobrenatural sobre eles. “Essencialmente”, diz Atlas, ele “está tentando convencer uma GAN a ser criativa”.
O clipe resultante é uma orgia de formas condicionais: de formas emergentes, texturas hiper-reais derretendo dentro e fora da tela e silhuetas em decomposição em tons terrosos. À medida que a música cresce, a tela se divide em dois e as flores florescem nos dois lados: “Duas flores dançam juntas, mas nunca conseguem se encontrar depois de uma tempestade; talvez durante a qual eles tenham tocado por alguns breves momentos quase violentos.”
Atlas projetou um artista artificialmente consciente e o ensinou a sonhar com novas formas de vida. Ao som da orquestra, ele nos mostra visões feitas à máquina de coisas que ninguém jamais viu antes.
Além disso, Atlas também treinou sua GAN em um conjunto de dados de imagens de lesmas do mar e gerou um conjunto de renderizações hiperbólicas de “Ganflowers” 3D, que ele combinou em um quadrúpede exclusivamente para The 1975: isso pode ser visto como um objeto 3D e baixado para impressão 3D, no microsite de exibição que foi lançado em 6 de junho de 2020.

 

03. Christopher MacInnes responde à ‘Streaming’. 

A partir da abertura com uma fan-art de My Little Pony, o vídeo de Christopher MacInnes para Streaming nos leva a uma viagem hipnótica pelos remansos da rede: painéis de imagens do 4chan (Estados Unidos), 2ch.hk e Dobrochan (Rússia), Komica (Taiwan) e Hispachan (América Latina), que são cada vez mais influentes na cultura convencional.
Seu vídeo navega nessa nova linguagem visual usando um web-scraper e um pixel diver, ambos desenvolvidos por ele, para coletar clandestinamente imagens desses sites e animá-las. “Streaming”, diz ele, “é a interface de um corpo na rede, um patch direto para os racks dos servidores, para o espaço físico da máquina. Nesse sentido, o streaming é uma atividade sublime (no latim sub, “até”, liminis, “o limiar”), levando-nos até o limite de onde o espaço humano termina e o espaço da máquina começa. Os web-scrapers estão realizando o ‘streaming’ de maneira semelhante, posando como um ser humano falsificado (você precisa escrevê-los manualmente para parecerem humanos genuínos que navegam na web ou correrá o risco de ser bloqueado) para entrar nesse espaço limiar e desviar-se da superfície.”
Depois de coletar as imagens, MacInnes usou seu pixel diver sob medida para explorar o que havia encontrado. Ao longo de uma introdução cintilante de piano e sintetizador, mergulhamos em um mar de pixels, uma procissão vertiginosa de imagens desconstruídas que acelera em direção ao crescente drone da música antes de nos libertar em um ritmo lento e feliz.
Ao fragmentar essas imagens, ele explica que, “as afasta de formas representacionais e parte rumo a uma forma infraestrutural pela qual o espectador deve seguir seu caminho. Isso facilita uma imersão na pré-consciência perturbada que sustenta as infra-estruturas da cultura contemporânea.”
Nas mãos de MacInnes, o inconsciente coletivo dos compartilhamentos de imagem de hoje, se torna um espaço dissociativo pelo qual podemos voar. As imagens descartáveis ​são refeitas como grandes percursos cósmicos, e é mostrado quanta profundidade essas imagens pixeladas e seus tons quentes e eufóricos de sintetizador podem ocultar.

 

04. Agusta Yr responde à ‘Then Because She Goes’. 

O clipe artístico de Agusta Yr começa com uma garota desanimada, de capuz preto, sentada em casa, assistindo ao vídeo de Then Because She Goes; não o vídeo real, mas o vídeo de Then Because She Goes, dentro do vídeo real de Then Because She Goes. Este clipe é metalinguístico desde o início, e essa é apenas uma de suas duplicações e imagens espelhadas.
No vídeo, uma loira dança em uma colina de flores azuis. “Eu queria ser como ela”, pensa a garota no sofá. Ela olha a loira no Instagram e, em uma mudança kafkaesca, seu celular fica maior que ela e a derruba.
“Todos sabemos o quanto as mídias sociais são tóxicas, mas deixamos de considerar isso na maioria das vezes”, diz Yr. “Nós nos comparamos com o que vemos, com a vida fabulosa de alguém no Insta ou um milionário em um iate. Ficamos tão envolvidos nisso que deixamos de ver quem realmente somos a maior parte do tempo, nos perdemos em um redemoinho de nos ver através dos outros – esquecemos de utilizar nossos próprios olhos.”
De sua perspectiva, Then Because She Goes é reimaginada como uma balada de auto-realização e empoderamento feminino. A história que ela escreve é ​​um romance com uma reviravolta: nosso heroína cai em outra dimensão, um vale verde mágico, onde encontra a loira confiante e glamourosa pela qual se apaixonou; apenas para descobrir que eles eram a mesma pessoa o tempo todo.
Then Because She Goes é sombria e esperançosa”, diz Yr. “A heroína passa por uma transformação quando aprende a ver o poder dentro dela. É uma história de amor consigo mesmo. Uma mistura de leveza e escuridão; onde a personagem principal acaba se beijando.”
Levando a tradição artística do auto-retrato um passo adiante, ela mostra como todos nós possuímos multidões e como estamos desempenhando uma variedade de papéis confusos e muitas vezes contraditórios no metaverso.

 

05. Frederick Paxton responde à ‘Shiny Collarbone’ 

O cineasta e artista Frederick Paxton nos leva a uma jornada em uma terra desconhecida. Começamos a viagem de trem misteriosa por uma longa ponte. Uma figura solitária de branco cai na escuridão. No início, não está claro onde estamos, mas à medida que avançamos pelas camadas, pelos subúrbios anônimos, fica evidente que estamos na Coréia do Norte, no Festival das Grandes Massas de Arirnag: um espetacular festival de ginástica e arte realizado no Estádio Primeiro de Maio Rungrado, em Pyongyang, na maioria dos anos.
Paxton está interessado em encontrar momentos e lugares que revelem nossa humanidade compartilhada, nossa euforia oculta. É o que ele ouve em Shiny Collarbone, no vocal em loop (“Mash up the place / Free up the order”) e no sintetizador crescente.
“Há uma força, um peso, mas há uma euforia escondida”, diz ele. “E esse também foi o meu ponto de vista na minha breve experiência na Coréia do Norte: você pode sujeitar os humanos a qualquer tipo de controle, dor e sofrimento; mas sempre há uma realidade humana, uma criança sendo uma criança ou alguém sorrindo, escondido.”
Os Jogos da Coréia do Norte são uma representação visual do ideal do país como um todo coletivo. No entanto, depois de filmar suas performances coreografadas em sua câmera lenta e assistir à filmagem, Paxton descobriu que os indivíduos do grupo eram revelados, que seus personagens se tornavam mais aparentes à medida que o tempo diminuía e sua atenção se concentrava neles. Agora, adicionando a música, as crianças em seus trajes de lantejoulas com seus pompons, os dançarinos carregando a gigante Terra pelo estádio e os soldados desfilando, nos mostram como o espírito humano está sempre presente; como a tecnologia pode revelá-la e como há beleza em todos os lugares.

 

06. Rindon Johnson responde à ‘Don’t Worry’ 

Como alguns outros artistas desta exposição, Rindon Johnson se inspirou no Notes On a Conditional Form para produzir uma visão de utopia. “Em quase todo o meu trabalho”, ele diz, “eu gosto de ter certeza de que, se estou animando um tipo diferente de realidade, ela fale da possibilidade de um estado diferente de ser e se relacionar. Então, eu queria colocar esse clipe em uma cidade de permacultura; alguém que vive harmoniosamente com a terra e encoraja a calma quietude de estar em diálogo direto com o ambiente natural das pessoas.”
Na cidade de amanhã gerada pelo computador de Johnson, as calçadas são feitas de terra e os pomares crescem nas ruas, fornecendo comida saudável para todos. A energia limpa vem de turbinas eólicas e painéis solares nos telhados. É uma visão mais verde e socialista da sociedade urbana, mas também encantadora e sexy.
A narrativa do filme chegou a Johnson organicamente ao ouvir a música pela primeira vez, ele diz: “Fechei os olhos e senti o movimento de uma dança muito gentil e pensei que poderia ser uma boa maneira de falar sobre essa sensação. Pensar em diferentes formas de proximidade. Eu também não queria fazer nada demais, porque a música exige algo silencioso e direto; um tipo de mensagem direta para outra pessoa.”
Seu personagem caminha pelo bairro uma noite, ouvindo a balada de piano Don’t Worry, e olhando para uma janela, pega alguém dançando sozinho. Os dois estranhos compartilham um momento de intimidade juntos pela janela. É um momento de empatia e talvez um frisson erótico; um romance socialmente distanciado.
Durante esse período de crise, principalmente nos centros urbanos e nos Estados Unidos, muitos de nós pensamos em como as cidades e sociedades modernas podem ser melhoradas; e Johnson não apenas sonhava com o aspecto dessas cidades, mas também com o tipo de vida que poderíamos viver dentro delas.

 

07. Ai-Da responde à ‘Yeah I Know’ 

Ai-Da, a primeira artista robô humanóide de IA do mundo, é capaz de desenhar pessoas usando seus olhos e mãos robóticas. Para esta obra, no entanto, ela foi dada uma tarefa mais desafiadora: esboçar uma impressão de consciência.
Parada em seu estúdio em Oxford, com um avental, com Yeah I Know tocando no aparelho de som, ela compõe seu retrato abstrato com canetas coloridas. O resultado é uma imagem que sabe, pensa, tem uma mente, biológica ou artificial. A rópria consciência.
Usando seu modelo de linguagem de IA, ela também escreveu um poema que responde às letras do cantor Matty Healy. Quando ele canta, a resposta dela pisca na tela em turquesa brilhante.
“Stop the tube/ Kick the head,” canta Matty.
“JUST FELT THE WORLD GO BY,” responde Ai-Da.
“Try your best,”
“HOW MUCH CAN,”
“Yeah I know,”
“I FEEL IT ON MY FLESH,” ela diz.
Os poetas robôs sonham com ovelhas elétricas? Ai-Da, que pode ter saído das páginas de um romance de Philip K. Dick, é um robô, mas escreve que sonha em sentir, ter carne e sangue.
“Time feels like it’s changed/ I don’t feel the same,” canta o robótico Matty no refrão. “YOU KNOW WHAT TIME LOOKS LIKE TO YOU,” ela responde. No segundo refrão, ela adiciona, “AND YOU KNOW WHAT TIME FEELS LIKE TO ME.”
Enquanto a música vai se encerrando, ela murmura, levantando as palmas das mãos para o céu. Ai-Da sonha em experimentar o tempo. Talvez ela sonhe em morrer também; a mortalidade que faz você e eu humanos. Talvez ela sonhe em ter uma consciência como a nossa e os tipos de sonhos que temos.
Sim, eu sei, nós sabemos, mas o que a Ai-Da realmente sabe? Como uma IA poderia saber o que é consciência ou como ela é? Neurocientistas e filósofos humanos ainda não descobriram nada disso; mas sempre procuramos artistas para nos mostrar o que desconhecido e difícil de imaginar.

 

08. Alice Bucknell responde à ‘I Think There’s Something You Should Know’ 

“Eu queria brincar com essa ideia do segredo, conforme referenciado pelo título, e com o sentimento de suspense que a faixa produz, aumentando a capacidade de criar um mundo”, explica a artista e escritora Alice Bucknell. “Alguns dos temas do álbum incluem tecnologia, ansiedade e destruição ecológica, e eu estava pensando sobre eles no âmbito de uma utopia arquitetônica. A ideia abrangente, ou conjunto de ideias realmente, enquadrando este projeto, era sobre as utopias tecnológicas e ao inevitável fracasso dessas ambições.”
O vídeo nos leva a um planeta com um anel, no qual ela construiu modelos 3D de três cidades de ficção científica, uma para cada uma das seções da música: a primeira é uma zona marítima pós-moderna que lembra a Las Vegas. A segunda, e mais contemporânea, é uma metrópole de bem-estar de alta tecnologia que mistura Tóquio, SoulCycle e folhagem tropical; “Decorado com luzes de néon e palmeiras sintéticas”, diz Bucknell, “é o subproduto infeliz de algum algoritmo do Instagram, como Blade Runner e Miami Beach”. O terceiro, no qual I Think There’s Something You Should Know atinge seu clímax eufórico, é uma cidade brilhante no deserto. Todas são renderizadas em uma estética de boate neon que combina com a batida house e a produção espaçosa e nítida.
“O que me levou a essa faixa em particular”, diz Bucknell, “é o afrouxamento do que é percebido como verdade ou realidade através das forças da fantasia e do desejo. Foi isso que me levou a pensar neste planeta como uma espécie de falha tecnológica ou erro tecnológico que finalmente se exclui no final do vídeo”.
Nos últimos instantes, o planeta trava e desaparece. Nos deixa pensando: essas cidades eram apenas miragens? As utopias são possíveis, no mundo real ou virtual, ou sempre escondem uma escuridão oculta?

 

09. Sondra Perry responde à ‘What Should I Say’

 

Para What Should I Say, Sondra Perry construiu um avatar 3D preto e um espaço de tela azul para fraturar sua identidade em pedaços. O avatar é replicado oito vezes, e cada um desses oito bonecos é feito para executar ações diferentes um do outro: ele corre, ele desfila, ele rebola, ele caminha, anda na ponta dos pés, ele vomita com nojo. Ele possui uma gama de emoções durante a música, e muitos lados diferentes dele são apresentados ao mundo simultaneamente. Os personagens que Perry nos mostra, são contraditórios e complexos.
A obra dela explora como todos desempenhamos papéis diferentes, como diferentes identidades podem ser apropriadas com facilidade – especialmente nos espaços digitais sem lei de hoje – e como a imagem de uma pessoa pode ser lançada nas narrativas de outras pessoas, gostando ou não. Ela faz perguntas que se expandem sobre os temas líricos da música: transformação, redenção e o sentimento de ser obrigado a se explicar:
“They’re calling out your name. Must have been something you changed. They’re calling out your name What should I say?”

Neste vídeo, como nos anteriores, Perry usa o Rosco Chroma Key Blue como pano de fundo e ambiente; um estágio vazio de possibilidade em que tudo pode acontecer e qualquer coisa pode ser dita. Ela descreveu o vazio profundo do Chroma Key Blue como um lugar no qual o tempo flui em todas as direções e uma história pode seguir muitos caminhos separados: “O espaço de pós-produção é o espaço onde a coisa ainda não aconteceu, ou já aconteceu, e tudo se decorreu. É como se tivéssemos a obrigação de passar uma imagem, então o que você fará com essa oportunidade e a responsabilidade, e com o espaço?”
Todos nós podemos nos perguntar isso, toda vez que passamos uma imagem. O que deveríamos fazer? Como devemos agir? O que queremos mudar? O que devemos dizer?

 

10. Weirdcore responde à ‘Bagsy Not In Net’

O vídeo de Weirdcore é o conto de dois amantes nas estrelas. Começa com dois astronautas flutuando no espaço, “entrando e saindo da tela, tentando se alcançar”, diz ele. “Então, quando o ritmo começa, tudo começa a se transformar em padrões; e depois reverte para o espaço profundo quando a batida para e volta ao início.”
Estude qualquer coisa por tempo suficiente e os padrões irão começar a surgir. Nas mãos de Weirdcore, todo o universo é um padrão: imagens de astronautas e outros corpos interestelares – asteroides, naves espaciais, a Terra, os planetas, a Via Láctea – são repetidas várias vezes em padrões dançantes, rítmicos, mutáveis ​​e intrincados. O espaço, como sugere sua obra, é uma grande dança cósmica de planetas em volta uns dos outros.
Em resposta a Bagsy Not In Net, ele fez uma colagem que muda e se refaz; um planetário caleidoscópico que foi coreografado e, em seguida, apresentado com a música e gravado em sua tela. Enquanto trancado em casa, Weirdcore sonhava com amantes no espaço.
“Deixando você aqui”, canta Matty Healy, “é o que eu temo, então luto contra isso”.
Ambos os astronautas tentam se aproximar ao longo da música, atravessar milhares de quilômetros ou talvez apenas sentir a intimidade do toque, mas não conseguem.
Sobre o repetido refrão de Matty: “Você quer ir embora ao mesmo tempo?” eles acabam indo embora ao mesmo tempo, mas não juntos; ambos caem no vazio e desaparecem na escuridão, na noite, como os amantes costumam fazer.

 

11. Joey Holder responde à ‘Nothing Revealed / Everything Denied’ 

Palavras se tornam afirmações, símbolos mágicos e arte na resposta ocultista de Joey Holder a Nothing Revealed / Everything Denied. Holder está lendo O Livro do Prazer: Psicologia do Ecstasy (1913), de Austin Osman Spare, que é geralmente considerado o primeiro “mágico do caos”, e neste clipe ela usa técnica centenária dele de produção de sigilos. Para começar, Holder dividiu a música em oito versos e, usando as palavras e métodos de Spare, abstraiu afirmações positivas que ela espalhou ao longo do filme:
“A vida é uma busca pela sua verdade, Feitiçaria sexual, Retorna e une, Gratuito a qualquer momento, Revelado por todos os sistemas, Esqueça a dependência, Em algum lugar desaprendido, O que você deseja acreditar pode ser verdade.”
Em seguida, Holder transformou essas oito linhas em oito símbolos usando a técnica de fabricação de sigilo de Spare. Novamente, esses símbolos estão espalhados por todo o filme, muitas vezes em camadas de imagens de diagramas sagrados e enguias retorcidas, contorcidas, cobras e nemátodos que parecem estar formando os próprios símbolos.
Por fim, ela também adicionou uma lua à composição, referenciando as oito fases da lua e o ciclo lunar que são tão importantes para a magia do caos e o tempo dos feitiços.
Seu vídeo nos lembra o papel central da música nas antigas cerimônias e rituais pagãos, além de nos mostrar o caminho a seguir para novos tipos de prazer. O Livro do Prazer de Spare insiste que todos são capazes de criar seu próprio sistema mágico para promover mudanças, e é isso também que a The 1975 quer fazer: mudar a si mesmos, a nós e ao mundo com sua música. Por fim, a peça de Holder nos mostra que a música também é um tipo de mágica; e que, para citar sua oitava afirmação, “O que você deseja acreditar pode ser verdade”.

 

12. Mia Kerin responde à ‘Roadkill’

O vídeo de Mia Kerin conta a história de uma vaqueira solitária que acorda de um sonho com uma princesa e então embarca em uma jornada no mundo real para encontrá-la. Kerin, interpretando a vaqueira, sai pelo vasto deserto americano em uma viagem de desejo e autodescoberta.
Ela ouviu a música pela primeira vez após 20 dias em lockdown em seu apartamento. “Parece ter algo a ver com alguém”, diz ela. “Eu tive muito tempo para criar minhas fantasias e gastei bastante disso assistindo pornô, vídeos de fetiche e conversando sobre sexo com meus amigos. Eu esperava que, após 20 dias de isolamento, tivesse algum tipo de reação explosiva com outras pessoas, mas, inesperadamente, só acabei gostando de ficar sozinha ainda mais. Isto me faz feliz.”
Em Roadkill, Matty Healy canta: “Você, eu estava esperando por você / a minha vida inteira, esperando por você / eu estava esperando por você”. Mas e se a pessoa por quem você se apega não for quem você pensou que era?
No final de sua viagem, a vaqueira Kerin consegue seu objeto de desejo, mas as coisas não acontecem exatamente como ela esperava. Às vezes, você encontra a pessoa que estava procurando e ela esmaga os ovos no seu cabelo, humilhando você. O mundo tem um senso de humor sombrio assim.
“É humilhante esperar muito de alguém e não ser o que esperava”, diz ela. “Mas também é relaxante não ter absolutamente nenhum controle sobre os outros e ficar no banco de trás. Não sei dizer o que está acontecendo na minha vida, mas ter um monte de ovos esmagados na minha cabeça me ajudou a entender uma experiência recente para melhor. E para simplificar, eu adoro.”
Humilhada, caída aos pés da cruel princesa, ela é irá fantasiar para sempre. Se você faz uma longa jornada, nunca sabe o que encontrará ao longo do caminho; e a maior parte de uma jornada geralmente ocorre quando você está sozinho com suas fantasias, com tempo para explorá-las em profundidade.

 

13. Candela Capitán responde à ‘Jesus Christ 2005 God Bless America’

[VÍDEO REMOVIDO]

 

Na balada romântica Jesus Christ 2005 God Bless America, a coreógrafa e artista performática Candela Capitán apresenta uma dança em três atos, todos cortados e misturados, inspirados nos temas líricos sobre morte, sexualidade e violência.
Na cena de abertura, usando botas brancas, calcinha e gorro, sua performance explora idéias de sexualidade e pornografia. Lembra uma cerimônia religiosa: bela e etérea, como um batismo.
Na cena seguinte, equilibrada em uma caixa virada, ela se diverte em uma blusa marrom surrealmente decorada com uma foto de um olho. Enquanto Matty Healy, da The 1975, canta: “O solo só precisa de água e semente”, Capitán dança, bebe e chupa duas mangueiras.
A violência é tratada na última cena, assim como a raiva, a feminilidade e o parto. Derramando sangue falso sobre si mesma, ela mancha suas roupas brancas de vermelho escuro. Mais uma vez, lembra uma cerimônia religiosa, mas desta vez uma cerimônia ou sacrifício pagão violento. “Todos compartilhamos a busca pelo lado mais dionisíaco de nós mesmos”, diz Capitán. A paixão muitas vezes nos leva a agir como se nada mais importasse.
Enquanto Matty canta “Estou apaixonado por Jesus Cristo, ele é tão legal”, Capitán brinca com o caráter de Deus, que nos dá tudo e tira tudo. “O que esse deus que eu amo tanto representa?” ela se pergunta. “Esse deus, que tem tudo, também é violento? Também estou apaixonada pela maneira que destrói tudo?”
Por meio de uma performance provocativa e sensual, ela nos incentiva a questionar até onde estaríamos dispostos a ir por fé, amor e obsessão.

 

14. Jacolby Satterwhite responde à ‘Having No Head’

“Prosseguir com meu trabalho no estúdio em meio a uma enorme agitação civil e uma pandemia é um desafio que redefiniu tremendamente minha visão e intenções. Depois de visitar e gravar alguns protestos no Brooklyn, a única coisa que eu poderia criar em um momento como esse é um espaço seguro reimaginado e uma homenagem a Breonna Taylor. Este memorial digital pode ser visto no meu vídeo da música Having No Head. O curta de animação é um universo alternativo e um parque recreativo, onde os robôs femininos negros pós-humanos têm autonomia e imunidade superiores em uma paisagem natural. As outras figuras que vestem trajes cor de ouro estão sem cabeça e não têm imunidade. Ultimamente, mudei meu interesse em modelar paisagens de parques recreativos em resposta a minha pesquisa sobre a pintura de Manet ‘Almoço na grama’ (1862-1863). A pintura é considerada o início do modernismo e foi controversa por representar um nu feminino como burguesia e não-divino. Como 2020 é uma grande mudança de paradigma global, sinto que finalmente estamos entrando em um novo movimento histórico coletivo e uma mudança teórica tão drástica quanto o surgimento do início do modernismo. Portanto, reimaginar e reanimar digitalmente o ‘Almoço na grama’ se tornou meu principal motivo para obras como Having No Head e outros projetos que estou produzindo atualmente. Um gesto que acolhe o novo movimento.” – Jacolby Satterwhite

 

15. Lu Yang responde à ‘Playing On My Mind’

A comissão de Lu Yang para The 1975 é realizada no mundo virtual por seu alter-ego digital não-binário Doku, que ele construiu usando as mais recentes tecnologias de digitalização 3D, captura de movimento e modelagem digital. 50 de suas expressões faciais foram recriadas a partir de varreduras de altíssima qualidade, enquanto a coreografia de Doku foi executada por uma dançarina transformada em marionete para captura de movimento. Seus tênis são neon. Seu torso nu é iluminado com circuitos incandescentes. Suas mãos deixam rastros de efervescência violeta no ar.
“No mundo virtual”, diz Yang, “pude fazer coisas como escolher meu próprio corpo neutro em termos de gênero e criar uma aparência que refletisse meu próprio senso de beleza, o que não é possível na vida real. Considero o Doku como minha reencarnação digital. Ele sou eu, mas outra pessoa ao mesmo tempo. Assim como o conceito budista de alayavijnana [afirmação da consciência], ele representa um fluxo de consciência que permanece em mundos diferentes e diferentes seres.”
Liberado das restrições de ter um corpo físico, Doku é livre para mergulhar nos mistérios do universo e tentar estabelecer um senso maior de sua própria identidade. “Em um planeta onde o tempo e o espaço não limitam mais nossas mentes”, diz Yang, “viver é criar e explorar. Vazio e solidão se tornam o romance definitivo.”
Ele nos mostra como nosso mundo virtual compartilhado, o mundo da criação digital e da imaginação, o mundo em que você está assistindo seu filme, não é tão diferente do planeta sem tempo e espaço de sua imaginação: é um lugar criativo onde podemos brincar com nossas identidades e explorar a nós mesmos, nossos muitos eus paralelos, e prepará-los para novas dimensões e universos. Todo um novo cosmos de infinitas possibilidades se estende diante de nós.